ДЕЯТЕЛИ ИСКУССТВА

В культуре прошедших веков есть имена художников, творческий вклад которых выходит за рамки регионального значения. Оставив заметный след в истории отечественного искусства, они оказывают влияние и на развитие современной культуры Вологодской земли. Их имена и творческое наследие являются ориентирами и теми эталонами, которые заставляют современных художников выдерживать высокий уровень мастерства и профессионализма.

С XVIII в. в изобразительном искусстве Вологды утверждаются тенденции светской культуры, проявившиеся прежде всего в развитии портретного жанра. В дворянских усадьбах и городских особняках находилось немало фамильных портретов, созданных как столичными, так и местными живописцами, многие из которых были крепостными. В середине XIX в. в Вологде работали П. С. Попов, А. Ягодников, Ф. Зайцев, В. Платонов. Некоторые из них, как Н. И. Катин или П. С. Тюрин, освобожденные от крепостной зависимости, смогли получить профессиональное образование и добились значительных успехов. Вологодская земля стала родиной В. В. Верещагина, одного из крупнейших художников-демократов 2-й половины XIX в., автора батальных историко-бытовых и пейзажных картин.

Начало XX в. отмечено небывалым до того времени интересом к истории и культуре края, что привело к подъему и консолидации художественных сил, в Вологде возникли Северный кружок любителей изящных искусств (СКЛИИ) и Вологодское общество изучения Северного края (ВОИСК). В уставе СКЛИИ (1906) в качестве первоочередных задач значились «устройство периодических художественных выставок и основание Вологодского публичного музея, общедоступной рисовальной школы». В работе объединений участвовали художники-пейзажисты А. А. Борисов и А. Н. Каринская, живописцы Ф. М. Вахрушов, A. И. Трапицын, графики Н. П. Дмитревский, В. И. Лузан, И. И. Варакин. Именно они становятся родоначальниками северного пейзажного жанра, создают в своих произведениях исторический образ Русского Севера.

В первые послереволюционные годы в Вологде, Великом Устюге, Тотьме живут и работают талантливые художники-профессионалы Е. П. Шильниковский, Н. Г. Бекряшев, В. Ф. Сысоев, Н. А. Тусов, Е. И. Праведников, которые становятся проводниками основных эстетических идей нового времени. На базе рисовальных классов в Вологде создается первое учебное заведение с художественным уклоном. Среди педагогов Вологодских государственных свободных художественных мастерских (1918-1921, затем Вологодского художественного техникума, 1921-1924) были Н. П. Дмитревский, В. Ф. Сысоев, Н. А. Тусов; в Петровской ремесленно-художественной школе в Тотьме работал Е. И. Праведников. Они стали создателями той среды, из которой вышли художники,  известные впоследствии в стране. Это графики B. Н. Сигорский и Ф. Н. Бочков, скульптор С. М. Орлов. Вологодская земля стала родиной одного из любимых иллюстраторов России XX в. - А. Ф. Пахомова.

В этот период Вологда становится одним из центров развития графики. В 1922 г. в городе открывается Вологодское отделение государственного издательства. Здесь на высоком уровне издается большая серия литературных и научных сборников, журналов, книг местных авторов, которые оформляются вологодскими графиками тех лет - Н. П. Дмитревским и И. И. Варакиным. Альбом линогравюр этих авторов «Старая Вологда» (1921) не потерял своей художественной ценности до сегодняшнего дня.

В 1939 г. было создано Вологодское отделение Союза художников СССР, членами которого стали известные мастера В. В. Тимофеев, Н. М. Ширякин, А. И. Смоленцева, А. И. Брягин, П. М. Попов, А. М. Киркиж, С. В. Кулаков. Лучшие достижения вологодских живописцев - в пейзаже как самом неидеологизированном жанре.

В 1960-е гг. молодые художники Н. В. Баскаков, В. Н. Корбаков, Д. Т. Тутунджан, С. А. Теленков принесли новое мировоззрение и свежий взгляд на задачи творчества. Раздвигаются тематические рамки художественных произведений, обновляется их пластический язык, с этого времени вологодские авторы активно участвуют во всех крупнейших выставках страны.

С конца 1960-х начался расцвет вологодской графики: с иллюстрациями Н. В. и Г. Н. Бурмагиных, В. А. Сергеева и А. Т. Наговицына выходят сборники стихов Николая Рубцова и Александра Яшина, Александра Романова и Ольги Фокиной. Выставка «Вологодская графика» (Москва, 1972) удивила столичную публику и критику своим профессионализмом, образным и духовным богатством. Фольклорные мотивы гравюр Бурмагиных, изысканная утонченность работ Сергеева прекрасно дополнялись реалистической ясностью печатных листов Наговицына.

Начинается активное развитие вологодского декоративно-прикладного искусства. Традиционные народные промыслы: вологодское кружево, великоустюжская чернь, резьба и роспись по бересте - получают поддержку государства, художники и ведущие мастера этих предприятий В. Д. Веселова, В. Н. Ельфина, Е. Ф. Тропина, А. Маркова становятся известны российскому и европейскому зрителю. Одно из уникальных произведений Ельфиной - скатерть «Снежинка», выплетенная по эскизам автора, стала визитной карточкой всего промысла, а вологодское объединение кружевниц с 1968 г. носит название «Снежинка».

Продолжателями традиций Е. П. Шильниковского на «Северной черни» по праву считают себя Е. Ф. Тропина, А. С. Чернов, В. П. Шорохов. В Вологде и Великом Устюге открываются экспериментальные мастерские, осваивающие технологии полузабытых кустарных промыслов: шемогодская прорезная береста, роспись берестяных изделий на фабрике «Великоустюгские узоры», техника перегородчатой эмали на заводе опытно-художественных изделий.

Керамика Л. А. Чистяковой, художественный текстиль Т. П. Рыбаковой, ювелирные произведения В. В. Попова, В. А. и С. С. Глуниных, B. П. Кордюкова несут на себе приметы нового времени, показывают освоение лучших традиций современной культуры.

С 1960-х годов можно говорить о подлинном разнообразии стилевых направлений в вологодском искусстве. Так, в рамках «сурового стиля» развивается творчество Д. Т. Тутунджан, обращенное к жизни вологодской деревни. Утверждение традиций национальной школы живописи характерно для творчества В. Н. Корбакова и Н. В. Баскакова, А. И. Смоленцевой и С. А. Теленкова - представителей эмоционально-живописного направления в отечественном искусстве. М. А. Ларичев, C. И. Хрусталева продолжали активно работать как пейзажисты, жанристы и авторы историко-бытовой картины. Уважение к натуре, тонкий лиризм всегда отличали картины О. А. Бороздина, обращался ли он к портрету современника или пейзажу родной природы.

А. В. Пантелеев и Я. Ю. Крыжевский активно работали в области создания тематической картины, вводя в нее элементы других жанров, интеллектуально насыщая ее образный и пластический язык. На смену «картине сопереживания» приходит «картина идей». Эти новые приемы по-своему интерпретируют Г. Н. Осиев, Ю. А. Соломкин, Ю. А. Воронов.

Появляется направление, обращенное к «тихой», чувственной живописи. В произведениях Е. А. Соколова, В. Н. Страхова, В. И. Сысоева образ природы Русского Севера богат и разнообразен в широком диапазоне - от лирической тональности до историко-этнографической достоверности.

Своеобразная ориентация на классическое искусство прошлых эпох («постмодернизм») определила образный и стилистический строй историко-бытовых произведений М. В. Копьева и А. И. Савина. Ярко индивидуальная художественная манера отличает аналитически выверенные и в то же время образно эмоциональные полотна Г. В. Калинина.

Впрочем, стилистические поиски никогда не были для художников Вологды самоцелью. На первый план прежде всего выдвигались духовные ориентиры, постановка проблем этического характера. В работах наших авторов ведущей идеей было и остается продолжение лучших традиций отечественного искусства, народной культуры и освоение подлинных достижений современности.

Схожие процессы происходили в сфере музыкальной культуры. Исторические условия развития музыкальной культуры сложились так, что основная роль в них отводилась двум российским столицам - Москве и Петербургу. Музыкальная жизнь провинции отличалась от столичной иной интенсивностью, разнообразием или художественным уровнем форм, но она несла в себе комплекс ценностей, по самобытности и значимости интересных не только для данной территории, но и для характеристики российской музыки в целом.

На протяжении многих десятилетий сотни людей в нашем крае занимались музыкой: учили и учились игре на различных инструментах, устраивали музыкальные собрания, ставили спектакли, музицировали дома и в небольших любительских кружках, сочиняли музыку, слушали концерты гастролирующих артистов...

Весьма показательна в этом отношении семья кадниковских дворян Зубовых, многие представители которой участвовали в любой из названных выше форм музицирования. В Вологде постоянными участниками концертов были профессиональные музыканты - Илья Гинецинский, Лидия Сокальская, Сергей Шамарин, в Устюжне - пианистка Вера Сипягина-Лилиенфельд.

Кроме того, музыкальная жизнь края стала великолепной средой для первоначального воспитания целого ряда известных русских музыкантов. Проходил естественный отбор исполнителей, в основном певцов, постоянно рекрутируемых в столицы. В истории Великого Устюга сохранились имена земляков Зосимы Абакумова и Семена Финикова - солистов Мариинского и Московского областного оперных театров. Солист - тенор из Грязовца Валентин Воронин - много выступал в Петрограде и в Вологде, в дальнейшем стал известным хормейстером. Во второй половине века вологжане узнали об успехах солистов Ленинградской академической капеллы им. Глинки - Андрея Курилова, Елены Яскуновой (заслуженной артистки России). Наши земляки - профессор Ленинградской консерватории, заслуженный деятель искусств Узбекской ССР А. Л.Островский, артисты столичных оркестров скрипачи З. Носков, А. Шалашев, В. Спасский, тромбонисты В. Голиков, А. Дементьев (заслуженный артист России), Н. Шевнин, корнетист оркестра Мариинского оперного театра, заслуженный артист РСФСР Д. Гинецинский, главный дирижер и художественный руководитель Саратовского академического театра оперы и балета, народный артист России, лауреат Государственной премии Ю. Кочнев и, наконец, замечательный композитор XX в. народный артист России, лауреат Государственной премии России В. Гаврилин.

Ценнейшую часть общерусского музыкально-поэтического фонда составляет фольклор Вологодчины. Великоустюгский опыт А. Я. Колотиловой (двадцатые годы XX в.) стал самым первым и наиболее удачным обращением к фольклору. Северо-восток области предоставил энтузиастам народной песни богатейший материал, а талант и художественное чутье руководителя хора сделали из этого материала уникальные концертные программы.

И в наши дни каждый день музыкальной жизни Вологодчины несет с собою новые и новые события не только областного, но и общероссийского значения.

Л. Г. Соснина, Э. А. Кириллова

ТЮРИН

Платон Семенович

(7.11.1816, с. Архангельское, Бохтюгская волость (ныне - Сокольский р-н) - 6.08. 1882, г. Вологда)

Живописец-портретист, автор монументальных росписей. Академик портретной живописи, первый среди вологодских художников, удостоенный этого звания (с 1857). Известны его настенные росписи в церквях и монастырях Вологодской губернии. Участвовал в росписи храма Христа Спасителя в Москве (1876-1877).

В юбилейном справочнике Академии художеств, составленном С. Н. Кондаковым (1915), числится имя нашего земляка Платона Семеновича Тюрина как живописца, удостоенного звания академика.

Платон Тюрин родился 7 ноября (по старому стилю) 1816 г. в селе Архангельском Бохтюгской волости Вологодского уезда (ныне Сокольский район Вологодской области) в семье крепостного крестьянина Семена Андреевича Тюрина.

Получив в 1843 г. вольную от помещика А. А. Холмова, он уезжает в Петербург и в 1845 уже числится учеником Академии художеств, принятым туда как вольноотпущенный. Из документов Академии известно, что в 1850 г. совет Академии выдает Тюрину аттестат с присвоением ему звания свободного художника по исторической и портретной живописи.

В последующие годы (1850-1860-е) молодой художник принимает участие в академических выставках, где предстает перед публикой как портретист. Положительно оценив успехи Тюрина в этом жанре, совет Академии художеств выдает ему в 1857 г. диплом академика портретной живописи и утверждает в звании титулярного советника.

С начала 1860-х гг. жизнь и творчество Платона Тюрина - первого на Вологодчине мастера, получившего столичное профессиональное образование и ставшего академиком, - связаны с Вологдой. Он получает заказы на портреты от местных помещиков Межаковых, Брянчаниновых, Зубовых, пишет именитых горожан и священнослужителей, с ним заключают договоры на росписи церквей. Бывшая госпожа художника - В. Н. Холмова - в 1862 г. приглашает его для росписи Никольской церкви в своем родовом имении на Святой Горе Грязовецкого уезда. Он работает в Вознесенском храме Спасо-Суморина монастыря (Тотьма), расписывает церковь Михаила Архангела в своем родном селе. Тюрин получает множество заказов на выполнение икон для храмов Вологды и других городов губернии. В 1865 г. Платон Семенович женится на крестьянке села Архангельское Агнии Карабановой.

Успешная деятельность П. С. Тюрина как монументалиста была замечена: в 1876 - 1877 гг. он участвует в росписи храма Христа Спасителя в Москве. Для этого храма Тюриным были выполнены тридцать четыре иконы. Его упоминают наряду с прославленными художниками второй половины XIX в.: В. И. Суриковым, В. Е. Маковским, И. М. Прянишниковым, Б. П. Виллевальде и другими. Как отмечается в отчетах Академии, он написал поясной портрет императора Александра II, заказанный Вологодским общественным банком, образ Николая Чудотворца и многофигурную икону.

«Надо полагать, - пишет М. Е. Даен, которой удалось раскрыть многие неизвестные страницы его биографии и атрибутировать произведения, - что напряженная физическая работа над росписями церквей подорвала вконец здоровье Тюрина. После 1877 г. имя его в отчетах Академии уже не упоминается. Очевидно, последние пять лет своей жизни он тяжело болел.

6 августа 1882 г. он умер от чахотки и был погребен на Горбачевском кладбище в Вологде».

Творческий путь П. С. Тюрина продолжался чуть более сорока лет. Он поступил в Академию в довольно зрелом возрасте - двадцати восьми лет, закончил ее в тридцать четыре года, а звания академика удостоен, когда ему было уже за сорок. Возможно, он получил первоначальные навыки в живописи у кого-то из местных художников. К началу 1840-х гг. относят исследователи одно из ранних полотен Тюрина «Дети помещика А. П. Межакова», а также портрет супружеской четы А. П. и Ю. Ф. Межаковых (ВГИАХМЗ). Это большое парадное полотно украшало когда-то интерьер усадьбы Никольское и соседствовало с блестящей по живописи картиной английского портретиста Джорджа Доу, изобразившего родителей тогдашнего владельца усадьбы. Благосклонным отношением к молодому художнику можно объяснить то, что он нередко получал заказы на портреты и от дворян соседних имений. К этому времени относят исследователи романтичный портрет С. А. Зубова (ВОКГ), которого автор изобразил с ружьем и охотничьей собакой на фоне природы.

Будучи учеником Академии художеств и живя в Петербурге, Платон Семенович не оставляет занятия портретным искусством, получая заказы от покровителей. Теплыми чувствами пронизан «Портрет дочерей художника И. К. Зайцева» (ГРМ), датированный 1847 г. С отцом изображенных девочек Тюрина связывали теплые дружеские отношения и общность судеб. Иван Кондратьевич до окончания художественного училища в Арзамасе тоже был крепостным. Уезжая в Полтаву для преподавательской деятельности, он увозит с собой и этот портрет. Профессионализм Тюрина как художника совершенствуется, и в «Автопортрете» 1857 г. (ГРМ), за который получил высокое академическое звание, он предстает уже сформировавшимся мастером. Изобразив себя в мастерской в момент творческого раздумья, живописец не боится подчеркнуть свой усталый взгляд, чуть воспаленные веки и аскетическую впалость щек, выражая те реалистические тенденции, что постепенно входят в русское искусство середины XIX в.

Картина творческого наследия Платона Тюрина была бы неполной без рассказа о его монументальных работах. Одной из первых крупных работ в этой области стала роспись плафона Екатерининской церкви при Академии художеств в 1857 г. Выполненная по эскизам знаменитого русского живописца В. К. Шебуева под руководством не менее именитого преподавателя Академии Ф. А Бруни, она была хорошей школой для будущего монументалиста. Его росписи храмов и монастырских церквей в Вологодской губернии тяготели к традициям русского классицизма, характерным для храмовой живописи этого периода.

Усилиями вологодских искусствоведов имя «академика из народа» П. С. Тюрина возвращено в историю культуры нашего края. Найдено и исследовано большинство из его станковых произведений, находящихся в музейных коллекциях Москвы, Петербурга, Орла, Твери, Екатеринбурга, Вологды и Череповца. В Вологде прошли выставки, где экспонировались портреты, выполненные мастером. Принимаются меры для реставрации уникальных росписей храмов в селе Архангельском и в Спасо-Суморином монастыре.

Литература:

Мунин А. Н. Академик из народа // Художники-вологжане. - Вологда, 1959.

Даен М. Е. Вологодский художник П. С. Тюрин // Панорама искусств-6. - М., 1983.

Даен М. Е. Художник П. С. Тюрин // Памятники культуры. Новые открытия. Ежегодник. 1984. - М., 1986.

Вологодский художник Платон Семенович Тюрин: 1816-1882 / Автор-составитель Вороно М. Н. - Вологда, 1986.

Даен М. Е. Вологодская история в портретах // Русская галерея. - Вып. 2. - М., 2001.

А. Г. Соснина

ВЕРЕЩАГИН

Василий Васильевич

(26.10.1842, г. Череповец - 13.04.1904, г. Порт-Артур).

Живописец, график, публицист. Один из крупнейших мастеров русской живописи XIX в. Главная тема его произведений - изобличение захватнических войн, изображение мужества и героизма защитников Отечества. Дважды, в 1887-1888 и 1894 гг., посещал Русский Север. Выставки произведений художника неоднократно устраивались в крупнейших городах России и за рубежом - Лондоне, Париже, Берлине, Нью-Йорке и др. Произведения хранятся в крупнейших музеях нашей страны: Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской картинной галерее.

Василий Верещагин родился 26 октября 1842 г. в Череповце.

Сын небогатого помещика был определен волею родителей, помимо его собственного желания, в Царскосельский малолетний кадетский корпус, а затем продолжил образование в петербургском Морском кадетском корпусе (1853-1860). С семи лет он воспитывался вдали от семьи. Порядки в закрытом учебном заведении были ненавистны Верещагину. Тем не менее волевой, собранный и самолюбивый мальчик становится лучшим воспитанником школы, никому не уступавшим в классе первенства. Преодолев все трудности, он окончил корпус первым учеником.

Рано обнаружившийся интерес к рисованию побуждал кадета уделять время и посещению петербургской рисовальной школы (1858-1860).

Став морским офицером, Верещагин отчетливо осознал, что не флотская служба, а искусство - его истинное призвание. Вопреки воле родителей, считавших профессию художника унизительной для столбового дворянина, Верещагин оставляет морскую карьеру и поступает в 1860 г. в Академию художеств. Родители отказали ему в помощи, но он остался непреклонным в своем решении. В Академии Верещагин занимался с исключительным прилежанием, но через три года убедился, что академическая система обучения, основанная на условных принципах позднего классицизма, далека от жизни. В 1863 г. он отправляется на Кавказ для самостоятельной работы на натуре. Через полтора года юноша едет в Париж, поступает в Академию художеств и с перерывами учится там три года (1864 - 1866). И здесь он проявляет удивительную самостоятельность, независимость взглядов и во всем исходит из своих убеждений художника-реалиста.

Все свое творчество Верещагин как художник-просветитель и демократ посвятил борьбе с захватническими войнами, с угнетением человека, деспотизмом и тиранией, варварством, религиозным фанатизмом. Эстетическое кредо художника сформировалось не сразу. В 1867 г., отправляясь в Туркестан, в действующую русскую армию для работы на натуре и познания истинной войны, он еще не имел каких-либо антимилитаристских убеждений. За исключительную храбрость при обороне Самаркандской цитадели Верещагин был награжден Георгиевским крестом. Лишь постепенно, под впечатлением увиденного и в результате глубоких размышлений, он делается убежденным противником войны и ставит перед собой задачу правдивого ее изображения. Серия картин, созданная на материале более чем трехлетнего пребывания в Туркестане, увенчалась большим полотном «Апофеоз войны», имевшим программное значение для всего творчества художника. На раме картины, где изображена пирамида человеческих черепов, он написал впечатляющие слова: «Посвящается всем великим завоевателям: прошедшим, настоящим и будущим». Сам художник считал, что это произведение «столь же историческая картина, сколько сатира, сатира злая и нелицеприятная».

После Туркестана Верещагин стал писать свои произведения сериями, когда одно полотно продолжает и развивает идею другого. Примером тому могут служить живописные работы индийской серии, где наряду с мотивами природы или архитектуры, бытовыми зарисовками разрабатывается и тема угнетения индийского народа английскими колонизаторами. В 1880-е гг. им создана «Трилогия казней», в отдельную серию объединены картины на евангельские сюжеты.

В 1877 г., едва началась русско-турецкая война, Верещагин оказался добровольцем на фронте. В самом начале войны он принимал участие в минной атаке на Дунае, был ранен, лежал приговоренный к смерти в госпитале, а выздоровев, вернулся в действующую армию. На войне художника постигло большое горе: был убит его любимый младший брат Сергей, другой брат, Александр, ранен. Сорок этюдов, написанных под пулями и гранатами, были вероломно похищены. В одном из писем П. М. Третьякову, высоко ценившему талант художника, Верещагин писал: «Передо мною, как перед художником, война, и ее я бью, сколько у меня есть сил; сильны ли, действенны ли мои удары - это другой вопрос, вопрос моего таланта, но я бью с размаха и без пощады».

В целях популяризации своего творчества и пропаганды антимилитаристских идей художник постоянно открывал выставки в России, в столицах и крупнейших городах Европы, а также в США. Успех выставок и авторитет художника были огромны. Престиж русской художественной культуры небывало поднялся. И в то же время русское правительство не купило у Верещагина, имевшего международное признание, ни одной крупной картины.

Большой популярностью пользовались произведения Верещагина, посвященные Отечественной войне 1812 года, где он противопоставляет французским завоевателям героический русский народ. Около 17 лет работал он над серией из 20 полотен, так и не завершив ее. Долгое время не находилось покупателя и на эту патриотическую серию. Лишь под давлением общественности после долгих проволочек картины поступили в казну государства.

В начале русско-японской войны (1904) Верещагин, оставаясь верным своим принципам, уезжает в действующую армию. Он опять полон желания правдиво показать людям войну. 13 апреля 1904 г. Василий Васильевич погиб на броненосце «Петропавловск», взорванном японской миной, до последнего момента занося в походный альбом панораму военного рейда.

Главными чертами Верещагина всегда были самоотверженность и непреклонность в борьбе за высокие эстетические и гражданские идеалы. Казалось бы, выпавшие на долю художника испытания могли сломить его волю и энергию, настолько терниста была выбранная им дорога. Но художник до конца остался верен своим взглядам, принципам и убеждениям. Его картины, литературное и эпистолярное наследие ярко раскрывают такие черты духовного облика и характера Верещагина, как высокое чувство гражданского долга, доходящее до щепетильности чувство чести, прямота, переходящая порой в резкость, целеустремленность и сила воли. Он нередко ссорился и разрывал отношения даже с близкими ему людьми. Объяснить это можно не столько прирожденной горячностью, сколько психологической и нравственной нагрузкой, выпавшей на его долю.

Время доказало, что пафос верещагинского творчества не утрачен с годами. Заложенные в его творчестве идеи живут, продолжая волновать нас и сегодня. Его картины хранятся в крупнейших музеях страны, есть они и на родине художника в Череповце, где с 1984 г. существует мемориальный Дом-музей Верещагиных.

Труды В. В. Верещагина.

Очерки, наброски, воспоминания В. В. Верещагина. С рисунками. - СПб., 1883.

На войне в Азии и Европе. Воспоминания художника Верещагина. - М., 1894. Литератор. Повесть. - М., 1894.

Иллюстрированные автобиографии нескольких незамечательных русских людей. - М., 1895.

По Северной Двине. - М., 1896.

Литература

Булгаков Ф. И. Василий Васильевич Верещагин и его произведения. - СПб., 1896.

Стасов В. В. Василий Васильевич Верещагин. Собр. сочинений. - Т. 1-2. - СПб., 1894.

Переписка В. В. Верещагина и В. В. Стасова. Т. 1-2. - М.: Искусство, 1950, 1951.

Переписка В. В. Верещагина и П. М. Третьякова. - М., 1963.

Лебедев А. К. Василий Васильевич Верещагин. Жизнь и творчество.  1842-1904. - М., 1972.

Василий Васильевич Верещагин. Избранные письма. - М., 1981.

Мемориальный Дом-музей Верещагиных в Череповце. - Л., 1986.

Л. Г. Соснина

ВАХРУШОВ

Феодосий Михайлович

(26.02.1870, г. Тотьма - 08.12.1931, г. Тотьма)

Живописец,  акварелист,  автор монументальных росписей. В 1913 г. в Тотьме расписал по собственным эскизам кафедральный Богоявленский собор и домовую церковь духовного училища. Известен как пейзажист и портретист.

Среди первых вологодских пейзажистов, посвятивших свое творчество природе родного края, необходимо назвать имя Феодосия Михайловича Вахрушова. Он родился 26 февраля 1870 г. в Тотьме, маленьком провинциальном городке Вологодской губернии, имевшем, однако, богатейшую и славную историю. Семья Вахрушовых не отличалась достатком, и после окончания уездного училища юноша поступает на службу писцом к полицейскому надзирателю.

Неизвестно, как бы сложилась дальнейшая судьба Феодосия, если бы не счастливый случай: рисунки молодого человека привлекли внимание вдовы богатого купца Хаминовой, образованной женщины, которая изредка останавливалась в Тотьме, совершая поездки из Сольвычегодска в Петербург. Именно она помогла будущему художнику перебраться в Царское Село, где он два года жил в семье адъюнкт-профессора Академии художеств М. Н. Васильева, готовясь к поступлению в это учебное заведение: учился в Школе рисования, ваяния и зодчества при Императорской Академии художеств (1886-1888), с 1889 г. - вольнослушатель Академии. В 1890 г. его мечта сбылась, он - студент Академии художеств, в 1894 г. удостоен звания классного художника 3-й степени, а с 1895 г. становится учеником выдающегося русского живописца И. Е. Репина, в мастерской которого провел два года. В 1897 г. Феодосий Михайлович получает диплом и свидетельство на право преподавания рисования в средних учебных заведениях. Годы учебы закончились, но связь с Академией не прервалась. В том же году по рекомендации первого учителя, М. Н. Васильева, Вахрушов утверждается в штат помощников профессора живописи В. П. Верещагина, возглавлявшего работу по росписи Успенского собора Киево-Печерской лавры.

Период с 1897 по 1913 г. условно называют «украинским» в творчестве Ф. М. Вахрушова. В это время он увлеченно занимается монументальной живописью, изучает стиль росписей В. М. Васнецова, работавшего в Киеве во Владимирском соборе в 1885-1895 гг. Влияние этого мастера впоследствии проявится в работах Вахрушова, выполненных в храмах Тотьмы. Одновременно с монументальной живописью он постоянно обращается к станковым произведениям, пишет этюды южной природы, а в зимние месяцы, проводимые в Тотьме, совершенствуется как портретист. В этот период появляются и его первые северные пейзажи, посвященные окрестностям Тотьмы и, конечно, реке Сухоне. «С каждым годом художник все больше любил родную природу, с каждым годом его сильнее и все более властно манил к себе образ родной земли, и он отчетливее понимал, что призвание пейзажиста, проснувшееся у него в годы странствий, стало истинным его призванием». Так пишет о Вахрушове один из исследователей его творчества С. Г. Ивенский, считая, что период 1908-1913 гг. стал временем расцвета дарования Вахрушова-пейзажиста.

Почти все зрелые пейзажные произведения живописца связаны с образом Сухоны. На одном из островов этой реки в двух километрах от Тотьмы он поставил маленькую избушку, где жил подолгу, ловил и коптил рыбу, варил уху, писал этюды. Здесь были найдены сюжеты для многих лучших пейзажных произведений художника, которые он демонстрировал на выставках в Москве, Санкт-Петербурге, Екатеринодаре и в Вологде. Картины Вахрушова отмечены пониманием особенностей красоты родной земли. Как чуткий наблюдатель, он уловил эмоциональный ритм, свойственный только северной природе. Неспешно течение могучей красавицы Сухоны, спокойна едва изогнутая линия горизонта с темной полосой дальних лесов – таким предстает в работах художника Север, молчаливо-строгий, не каждому открывающий свою истинную красу. Вахрушов был среди избранных, ведь он знал родные места как никто другой. Часто, взяв этюдник и альбомы, надев высокие охотничьи сапоги, отправлялся он пешком или на попутной телеге в окрестные, а подчас и дальние села и привозил оттуда бесценный груз рисунков и акварелей, наполненный мотивами присухонских пейзажей, редчайших памятников архитектуры и образцов народного зодчества.

С 1916 г. Ф. М. Вахрушов безвыездно живет и работает в родном городе, где наряду с творчеством активно занимается общественной деятельностью. Он постоянный член Северного кружка любителей изящных искусств, существовавшего в Вологде с 1906 по 1922 г., принимает деятельное участие в создании Тотемского краеведческого музея, для экспозиций которого выполняет сотни пейзажных и исторических рисунков, акварелей, картин. С членами Тотемского отделения Вологодского общества изучения Северного края (1915-1922) Вахрушов собирает для музея предметы народного искусства и церковной старины. В 1919-1922 гг. по заданию Вологодского музея художник принимал участие в регистрации и описании памятников искусства, деревянного и каменного зодчества в Тотемском уезде, главным образом в районе Кокшеньги. Комплектуя музеи области редчайшими произведениями древнерусского и народного искусства, Феодосии Михайлович был постоянным членом многочисленных экспедиций. В это время он создал уникальную для вологодской истории серию акварелей и рисунков «Памятники северного деревянного зодчества». Облик многих из храмовых построек, их интерьеры, не дошедшие до нашего времени, известны сегодня только благодаря этим работам художника. В 1925 г. с учеными Ленинградского геологического музея Академии наук Вахрушов совершал неоднократные поездки по Малой Северной Двине, в частности, на археологические раскопки, начатые профессором В. П. Амалицким по изучению северодвинской фауны. Живя в Тотьме, Феодосий Михайлович был сотрудником вологодского Музея иконописи, его связывала дружба с Государственным Историческим музеем в Москве и с Музеем этнографии в Ленинграде. Ф. М. Вахрушов считал своим долгом участвовать в деле охраны памятников истории и культуры, он работал в многочисленных комиссиях, давал рекомендации, выполнял проекты. Из разоренного Спасо-Суморина монастыря (под Тотьмой) в 1919 г. он сумел вывезти ряд художественных ценностей, сохранив их для истории края и страны.

Ф. М. Вахрушов чрезвычайно много сделал для сохранения исторического наследия своего края. Сегодня мы это понимаем, а тогда, в конце 1920-х гг., руководители Тотьмы усомнились в заслугах своего земляка. А шестидесятилетнему художнику, известному и уважаемому в городе, понадобилось настоятельно доказывать свою общественную полезность. Наступили сложные времена, шел 1930-й год. Горсовет принял решение отобрать у него дом, где находилась мастерская художника, построенный им еще в 1906 г. на собственные средства по своему проекту. «Тотьма, особенности окрестностей и Кокшеньга, - писал Вахрушов, - мною воспроизведены на холстах и бумаге во многих десятках картин, этюдов, набросков, которые разошлись по многим городам. Эти мои работы рисуют Северный край, его своеобразную красоту, лесное богатство, реки, пашни и луга, возбуждают интерес к Северу и способствуют его изучению. Отобрание дома поставит меня на старости лет в еще более трудное положение, чем теперь... Обратите внимание на мой 36-летний производственный труд художника».

Через год Феодосии Михайлович умер, так и не узнав, как решилась судьба его дома. Лишь спустя два десятилетия земляки собрали его произведения на большую персональную выставку. С этого времени и началось серьезное изучение творчества Вахрушова. В наши дни основное наследие мастера сосредоточено на его родине в Тотемском музейном объединении и других музейных коллекциях Вологодской области. Дважды, в 1962 и 1999 гг., в залах Вологодской областной картинной галереи были проведены большие персональные выставки нашего земляка - «поэта северной природы».

Литература

Мунин А. Н. Художники-вологжане. - Вологда, 1959. - С. 108-122.

Ивенский С. Г. Феодосий Михайлович Вахрушов: 1870-1931. Вологодское книжное издательство, I960. Феодосий Михайлович Вахрушов: 1870-1931. Каталог выставки. - Вологда, 1962.

Л. Г. Соснина

ШИЛЬНИКОВСКИЙ

Евстафий Павлович

(17.02.1890., д. Кузнецово, Великоустюгский уезд - 18.08. 1980 г. Великий Устюг)

График, мастер художественной черни и живописец. Член Союза художников СССР (с 1932), заслуженный деятель искусств РСФСР. Художественный руководитель фабрики «Северная чернь» (1935-1965). Участник Всероссийских и региональных художественных выставок. Награжден серебряной медалью и дипломом Всемирной выставки в Париже (1937), участник Всемирной выставки в Нью-Йорке (1939).

17 февраля 1890 г. в деревне Кузнецово Великоустюгского уезда Вологодской губернии родился Е. П. Шильниковский. Через пять лет семья переезжает в Великий Устюг - город, с которым связана человеческая и творческая судьба художника.

Рассказывая о далеком детстве, Евстафий Павлович вспоминал: «Я всегда с благодарностью думаю о первой учительнице. Она почувствовала во мне художника, заставила поверить в себя. Свято храню память и об отце с матерью. В них я встречал неизменное участие, привет и одобрение своим художественным начинаниям». К этим словам художника следует добавить еще одну и, наверное, самую существенную деталь - характер юноши. Упорство и целеустремленность помогли ему не свернуть с избранного пути. Потерпев неудачу в Москве при поступлении в Строгановское художественное училище, он едет в Ярославль, где в течение трех лет усердно занимается в рисовальных классах. Осенью 1907 г. Шильниковский становится студентом Пензенского художественного училища. На выпускном экзамене в 1913 г. он в пятерке лучших. «По существовавшим в то время правилам всем пяти ученикам: Сапожкову из Самары, Тусову из Вологды, Григорьеву из Калуги, Праведникову из Подмосковья и Шильниковскому из Великого Устюга - предоставлено право продолжать учебу без вступительных экзаменов в Петербургской Академии художеств», - отмечает один из первых биографов мастера А. Н. Мунин.

Время учебы в Академии (1913-1917) выпадает на трудные в судьбе России годы: Первая мировая война, Февральская и Октябрьская революции. Уже знакомый с техникой глубокой печати по Пензенскому училищу, Шильниковский на втором году учебы выбрал творческую мастерскую, где и продолжил свое образование. Это был класс В. В. Матэ, известного к тому времени графика и прекрасного педагога, из мастерской которого вышли выдающиеся отечественные мастера: И. Павлов, В. Д. Фалилеев, А. П. Остроумова-Лебедева, П. А. Шиллинговский и другие. Еще студентом Академии Шильниковский начинает работать как иллюстратор в популярных художественных журналах. Матэ приводит его в редакцию «Лукоморье», знакомство с И. Я. Билибиным открывает ему дорогу в «Аргус». На их страницах печатались первые работы художника: путевые заметки, выполненные на Кавказе, рисунки, посвященные Северу, иллюстрации. Все предвещало блестящую карьеру графика. Это доказывают и высокопрофессиональные печатные произведения, относящиеся к этому периоду («Дубы», «Портрет бабушки», 1914-1915).

Смерть любимого учителя и прекращение занятий в мастерской стали причиной досрочного возвращения Шильниковского на родину в Великий Устюг. Здесь он, практически единственный профессионал в станковой гравюре, должен был заниматься другим. Евстафий Павлович получает  должность инструктора изобразительного искусства при отделе образования, одновременно с этим как художник-декоратор работает в народном театре и руководит художественной студией. С 1920 по 1937 г. деятельность Шильниковского связана с местной газетой «Советская мысль». Не прекращается и его творческая работа. Среди первых мастеров в 1932 г. он был принят в члены только что образованного Союза советских  художников. Он - постоянный участник выставок художников Северного края.

В 1935 г. в Великом Устюге проходит его персональная выставка, посвященная 25-летию творческой деятельности.

В творческой жизни Евстафия Павловича исследователи выделяют два периода. В первом Шильниковский проявил себя как видный рисовальщик и офортист, продолжавший традиции русской реалистической граверной школы. Во втором он - художник и руководитель фабрики «Северная чернь», связавший свое творчество с народным художественным промыслом. Прослеживая путь мастера, невольно отмечаешь закономерную связь этих периодов. Не будь Шильниковский высокопрофессиональным гравером и рисовальщиком, ему трудно было бы выразить себя в искусстве чернения по серебру и вывести промысел, находившийся в те годы на грани умирания, на новый путь.

Начиная с 1935 г., с неудачной, как он сам впоследствии считал «Синцзянской серии» серебряных столовых ложек для Западного Китая, Шильниковский постепенно постигает законы и раскрывает тайны нового для себя рода деятельности - прикладного искусства. Взаимосвязь формы и орнамента, использование традиций и создание современных произведений, художественность и сохранение утилитарных качеств - эти задачи уже в следующие годы им были блестяще решены. Как художник он расширяет тематику орнамента, обращаясь к литературным и историческим сюжетам, пейзажу и анималистике. Большой удачей мастера стала серия предметов на сюжеты произведений А. С. Пушкина, показанная сначала в Москве в 1937 г. на Всесоюзной выставке, посвященной памяти поэта, а затем и на Всемирной выставке в Париже. После этого появляются сервизы, оформленные Шильниковским по мотивам басен И. А. Крылова (1946), знаменитой сказки П. А. Ершова «Конек-Горбунок» (1947). По рисункам Шильниковского мастера «Северной черни» выполняют большие правительственные заказы, посвященные памятным датам, историческим и современным деятелям государства. Его произведения становятся своеобразной летописью происходящих в стране событий: он рассказывает о подвиге папанинцев, праздновании 800-летия Москвы, юбилее воссоединения Украины с Россией. В 1965 г. по ходатайству научно-исследовательского института художественной промышленности Евстафию Павловичу было присвоено почетное звание заслуженного деятеля искусств РСФСР.

Одной из огромных заслуг Шильниковского стало то, что именно он утвердил значение и определил ведущую роль художника в современном народном промысле. Когда-то безымянные или коллективные произведения теперь завоевали право называться авторскими. Молодые мастера, начавшие работать на «Северной черни» еще при жизни Шильниковского, по праву называли себя его учениками и продолжателями «евстафеты» (этот местный неологизм образован от слова эстафета и имени художника - Евстафий). Среди них: Е. Ф. Тропина, А. С. Чернов, В. П. Шорохов - имена, известные не только на Вологодчине, но и в стране.

Литература

Разина Т. М. Евстафий Павлович Шильниковский - художник «Северной черни». - М., 1959.

Воронова О. П. Художники Вологды. - Л., 1979. - С. 135-138.

Мунин А. Н. Серебряных дел художник. - Архангельск, 1979.

Широкобский Ю. Жизнь - творчество // Север. - 1981. - № 6.

Искусство земли Вологодской ХШ-ХХ веков. Каталог выставки. - М., 1990. - С. 211-212, 185, 188.

Воропанов В. В. Вологодская графика 1920-х годов //Художник. - 1989. - № 3.

Л. Г. Соснина

КОЛОТИЛОВА

Антонина Яковлевна

(23.03.1890, д. Жилино (близ г. Великого Устюга) Вологодской губ. – 6.07.1962, г. Архангельск)

Народная артистка РСФСР, заслуженный деятель искусств РСФСР, лауреат Государственной премии СССР, основатель и художественный руководитель Государственного академического Северного русского народного хора.

А. Я. Колотилова (в девичестве - Шерскова) родилась в деревне Жилино близ г. Великого Устюга (ее братья Валерий и Георгий Шерсковы называют местом рождения Великий Устюг). В 1909 г. закончила Великоустюгскую женскую гимназию.

Вследствие материальных затруднений в семье (у родителей было 12 детей) она отправилась учительствовать в деревню Пелягинец Никольского уезда, расположенную в 18 км от уездного центра. Там с интересом наблюдала северные обряды, слушала песни, сама научилась причитать, величать, усвоила манеру движения девушек и женщин в хороводах, кадрилях, поклонах.

Рожденная и выросшая на Севере России, Антонина Яковлевна глубоко любила свой родной край, особенно - раздолье заливных лугов в пору цветения трав. Она метко стреляла из ружья, но никогда не убивала дичь, хорошо ездила верхом и, купив себе лошадь, с удовольствием ухаживала за ней. Тайком от школьного начальства верхом, в седле, навещала сестру Лидию, которая учительствовала в деревне Лубозино, в 12 км от Пелягинца. В легкой коляске ездила в Никольск и Великий Устюг.

В 1914 г. А. Я. Шерскова вышла замуж за нотариуса В. В. Колотилова и поселилась в Никольске. Работала учительницей в народной школе, продолжала собирать и записывать местные песни, сказы, частушки.

В 1919 г. супруги Колотиловы переехали в Великий Устюг. И здесь Антонина Яковлевна организовала самодеятельный женский ансамбль, в основном из домохозяек, выступала с ним на клубных сценах и позже – на открывшейся в Великом Устюге широковещательной радиостанции.

Много внимания она уделяла собственной вокальной подготовке, мечтала стать профессиональной певицей, выступая на сцене, часто исполняла классический репертуар. Не имея возможности учиться в консерватории, А. Я. Колотилова периодически выезжала в Москву, Ленинград, Вологду для занятий с педагогами-вокалистами. В результате она достигла высокого уровня мастерства. Устюжане любили свою певицу. С особым чувством исполняла она русские народные песни и романсы. Когда в родной город на отдых приезжали артисты оперных театров и ставились сцены из опер «Иван Сусанин», «Пиковая дама», «Русалка», «Кармен», А. Я. Колотиловой отводились в них главные партии.

Вместе с другими любителями пения - В. П. Козьминой, В. А. Вотчинским и солистом Московской частной оперы Зимина певцом Н. С. Никулиным - Антонина Яковлевна выступала в селениях, расположенных по берегам северных рек и Мариинской системы. Там, где не было пианино, А. Я. Колотилова аккомпанировала себе и товарищам по сцене на клавишной цитре.

В 1922 г. в Москве, на студии звукозаписи, она встретилась с Митрофаном Пятницким, слушала созданный им народный хор и уже тогда подумала о создании хора северных песен с постановкой в его программах бытовых и обрядовых сцен, включающих песни, пляски, причитания невест и веселые свадебные эпизоды.

С 1923 г. Колотилова работала штатной певицей на Великоустюгской широковещательной радиостанции, но своих занятий с хором не прекращала.

Созданный ею небольшой самодеятельный коллектив впервые публично выступил 8 марта 1926 г. в Доме работников просвещения, и этот день стал днем рождения Северного русского народного хора.

Вначале вокальный ансамбль насчитывал 12 певиц. Костюмами служили наряды мам и бабушек - подлинные крестьянские сарафаны и блузы. Гармонистами первого поколения были братья Тряпицыны Борис и Дмитрий, а также - младший брат Антонины Яковлевны Валерий Шерсков. На репетициях партии обычно разучивали  с голоса руководителя.

А. Я. Колотилова также показывала, как нужно двигаться, кланяться и держать себя на сцене.

Хор тепло принимался слушателями. Он стал частым гостем на предприятиях города, в учебных заведениях, окрестных деревнях. Статус любительского коллектива не мешал А. Я. Колотиловой работать серьезно, бережно относясь к северной песне и точно воспроизводя манеру ее исполнения.

Этим требованиям она никогда не изменяла и в дальнейшем.

В первые годы хор исполнял в основном старинные народные песни, которые певицы - бывшие крестьянки, коренные жительницы Севера - знали с детства, владели не только исполнительскими навыками, но и народной импровизационной манерой.

Однако простая череда песен в концерте уже не устраивала руководителя хора. А. Я. Колотилова задумывает постановку северной свадьбы, пишет сценарий, подбирает исполнителей, терпеливо работает с ними. 19 апреля 1928 г. в клубе «Труд и отдых» Великого Устюга впервые была исполнена композиция «Русская деревня по песням» - музыкальная мозаика в трех картинах: «Разлучают (сватанье), «Свадьба» (проводы невесты), «От свекровушки к новой жизни». Северная крестьянская свадьба со всем ее сложным ритуалом пришла к зрителям со сцены, с интересом была воспринята ими, особенно теми, кто вырос в деревне, наблюдал этот обряд или участвовал в нем.

Будучи художественным руководителем Северного хора в течение 35 лет, Антонина Яковлевна заботилась о близости репертуара хора к живому, почвенному бытованию песни в деревне. Недаром ее хор долгие годы считался самым этнографически достоверным, последовательным в своей творческой линии, сберегающим традиции северной песни, а певцов Северного хора всегда отличало умение проникнуть в глубину музыкального образа и воплотить его в неповторимой красоте.

В 1931 г. радиостанцию из Великого Устюга перевели в Архангельск, и А. Я. Колотилова, состоявшая в штате станции, переехала туда. С нею отправилось несколько великоустюгских певиц. Антонина Яковлевна без промедления организует хор уже в большем масштабе, как по числу участников, так и по объему репертуара.

В концертные программы входят песни Пинежья, Северного Поморья, разнообразятся пляски и бытовые сцены. Богатейший музыкальный материал А. Я. Колотилова собирает сама во время поездок по различным районам Архангельской области. Одновременно приобретались костюмы для участников хора.

Наряду с устюгскими певицами, первый состав хора в Архангельске пополнили исполнительницы из Холмогор, Шенкурска, Лешуконья и Каргополя. Семья Серебрянниковых из Пинежья принесла с собою свыше трехсот песен, старинных хороводов и древнейших скоморошьих прибауток.

К первым выступлениям по Архангельскому радио хор готовился особенно тщательно: от них во многом зависело будущее коллектива. В день премьеры участницы с волнением исполнили четыре старинные лирические песни. Успех превзошел все ожидания. Выступление самодеятельного хора стало откровением для современников. Во многих районах Архангельской области появляются аналогичные коллективы, и А. Я. Колотилова помогает им, прослушивая репертуар и консультируя руководителей.

В 1935 г., путешествуя по Поморью во время своего трудового отпуска, Антонина Яковлевна встретилась с М. С. Крюковой - известной сказительницей, добилась ее участия в первом Всесоюзном радиофестивале (1936), в дальнейшем - ее поездки с Северным хором в Москву, где по заданию редакции газеты «Правда» и при творческом содружестве с А. Я. Колотиловой М. С. Крюкова работала над первыми советскими сказами.

Пребывание М. С. Крюковой в хоре хорошо отозвалось и на творческой активности целого ряда певиц, особенно жительниц районов с богатыми традициями бытования песен-сказов. Делаются попытки создания таких песен внутри хора: «Как по морюшку», «По дорожечке», «Как белые Пинегу хотели забрать».

Кроме былин, в программы хора всегда входили веселые, плясовые, шуточные песни-скоморошины, ведущие начало от искусства бродячих музыкантов-скоморохов, и протяжные лирические, которые певцы исполняли в трогательно-задушевной манере.

1936-1937 гг. отмечены участием коллектива во всесоюзных радиофестивалях. Выступления в эфире приносят Северному хору известность далеко за пределами Архангельской области.

В 1938 г. хор переходит в ведение Северной государственной филармонии. В 1939 г. принимает участие в Колхозном фестивале и смотре ансамблей песни и пляски, выезжает на Всесоюзную сельскохозяйственную выставку.

С мая 1940 г. в хоре стали проводиться систематические учебные занятия, а 28 декабря 1940 г. в зале филармонии состоялось первое выступление Северного русского народного хора в статусе профессионального коллектива. В хор были приглашены хормейстер, балетмейстер и преподаватель вокала. Вместе с этими специалистами Антонина Яковлевна делала первые шаги на пути профессиональной концертной интерпретации северного фольклора.

Весной 1941 г. хор успешно выступил в Москве в концертном зале им. П. И. Чайковского. Вернувшись домой, начал гастроли по Архангельской области, в частности водным маршрутом по Северной Двине. На этом пути его и настигло известие о начале войны. Грозные годы стали временем больших испытаний и вместе с тем огромного творческого подъема для руководителя хора и всех его участников. Коллектив много концертировал. Передвигались в теплушках, жили впроголодь, недосыпали, то и дело спасались от бомбежек. Выезжали на Северный флот, в Мурманск, Заполярье, на Карело-Финский фронт, на Урал. В 1944-м уезжали на полгода на Дальний Восток.

В Мурманске во время концерта в Доме офицеров, изрешеченном снарядами здании, рядом неожиданно разорвалась бомба. С шумом посыпалась штукатурка, на сцену полетели обломки. Но артисты не дрогнули, озорная песня «Как комар-то на мухе сватался» летела в зал.

Осенью 1943 г., когда артистов встречали матросы Северного флота, стояла штормовая погода. Концерты проходили прямо в открытом море, на боевых эсминцах. Чтобы перебраться катером на корабль, нужно было спуститься по легкому веревочному трапу, который сильно раскачивался на ветру. Женщинам это было трудно. Тогда нашли выход. Певицы по очереди прыгали вниз с борта корабля на одеяла, натянутые матросами катера. Концерты состоялись...

Много работали в госпиталях. Для тяжелораненых пели прямо у их кроватей, сольно, дуэтами, небольшими ансамблями. Особенно любили солдаты слушать задорные частушки и шуточные песни. Антонина Яковлевна Колотилова всегда была вместе с певцами во всех концертных поездках.

На Всесоюзном смотре народных хоров (1944) архангельский коллектив получает первое место, награждается денежной премией, переводится в первую группу хоровых коллективов.

В годы войны в репертуар хора вошло много произведений «на злобу дня»: внутри коллектива было сочинено более 65 сказов, 15 песен и свыше 300 частушек!

Весной 1945 г. хор обслуживал объекты Северной железной дороги и побывал на гастролях в Вологодской, Кировской, Ярославской областях. Кроме того, Антонина Яковлевна считала необходимым ежегодные приезды весной по большой воде на собственном пароходе на свою малую родину.

Концерты хора действительно становились общегородским праздником в Великом Устюге. «Люблю свой родной Север и ему пою песни», - говорила А. Я. Колотилова.

До 1960 г. она оставалась художественным руководителем коллектива.

Композитор П. Ф. Кольцов и хормейстер В. А. Поликин по ее просьбе записали весь репертуар хора.

В пятидесятых годах началось включение в программы авторских произведений, но понадобилось время, чтобы эти сочинения органически связались с особенностями северной песни и ее характером. Удивительное по вдохновению вокально-хореографическое полотно с музыкой В. Лаптева «Вологодские кружева» долгое время украшало выступления хора.

Все годы работы Колотиловой были наполнены неустанным, нелегким трудом и творческим горением, искренним стремлением сохранить и передать современникам глубину самобытности и красоты народного творчества Северного края, постоянным поиском все новых сценических форм и исполнительских средств.

Вопросы о специфических особенностях, возможностях, средствах выразительности народного хора в то время только начинали осмысливаться специалистами. Поиски своего творческого пути приходилось основывать на личном опыте и собственной художественной интуиции. Успешная работа Колотиловой помогала в решении сложных проблем дальнейшего развития народного хорового искусства, хотя в практической деятельности ей иногда приходилось идти на компромисс: например, в поисках своего творческого лица хор временами попадал под влияние других аналогичных коллективов. Деятельность музыкальный исполнительских коллективов страдала в то время излишним пафосом и парадностью в творчестве.

А. Я. Колотилова застала и первые зарубежные триумфы своего детища. В 1959 г. хор выезжал на гастроли в Польшу и Болгарию, в 1961-м - в Чехословакию.

В сентябре-октябре 1961 г. Северный хор выступал на Фестивале балета, проводившемся в связи с советской выставкой в Париже. Обществом «Песни мира» была выпущена долгоиграющая пластинка с записью хора. Парижане называли архангельских певцов «чудесным артистическим ансамблем, одним из наиболее выдающихся среди тех, которые присылались Великой страной», - так сформулировал свою оценку выступлений хора президент общества «Песни мира» Жан Руар в письме к Антонине Яковлевне.

Жизнь А. Я. Колотиловой была подлинным творческим подвигом, а заложенные ею традиции живы в коллективе. Творческую эстафету приняло новое поколение мастеров. В знак огромной благодарности они каждый год в день смерти Антонины Яковлевны приходят к ее могиле, чтобы возложить цветы и спеть ее любимые песни.

Коллектив хранит во всей неповторимой красоте песенное и танцевальное искусство Русского Севера. По-прежнему в хор стекаются лучшие народные певицы из разных северных областей. Немало плодотворных лет отдали этому замечательному коллективу вологжанки – заслуженные артистки России Ольга Сидорова (в замужестве Пудышева) и Полина Пугачева.

Литература

Михайлов А. Государственный русский народный хор северной песни. - Архангельск, 1956.

Синицын Т. Двадцатилетие Русского народного хора северной песни. - Архангельск, 1946.

Жирноба А. Северный русский народный хор. К пятидесятилетию со дня основания. - М., 1975.

Материалы Свода памятников истории и культуры РСФСР. Вологодская область. - М., 1979. - С. 126 - 128.

Э. А. Кириллова

БЕЛОВ

Григорий Акинфович

(18.12.1895, д. Вахонькино, Кадуйский р-н - 14.09.1965)

Актер театра и кино, народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР.

Родился в деревне Вахонькино Череповецкого уезда (ныне Кадуйский район Вологодской области) в семье учителя Акинфа Григорьевича Белова. Получив начальное образование в сельской школе, в 1907 г. поступил в Череповецкое реальное училище, которое закончил в 1915 г. В этом же году Белов уезжает в Петроград, где становится студентом экономического отделения политехнического института. Одновременно он поступает в драматическую студию при Александрийском театре, которой руководил известный актер этого театра Ю. Юрьев. Но вскоре студенту приходится стать солдатом: в 1916 г. Белова призывают в армию и отправляют рядовым на Юго-Западный фронт в артиллерийские войска.

В первые дни Октябрьской революции Григорий Белов возвращается в Череповец, служит инспектором красноармейской самодеятельности в губернском военном комиссариате, совмещая это занятие с актерской профессией. С 1917 по 1922 г. работает в Череповецком губернском показательном театре. Дебютом Белова стала роль Нила в пьесе М. Горького «Мещане». В репертуарный список молодого актера в эти годы входит целый ряд классических образов: Хлестаков («Ревизор» Н. Гоголя), Жадов и Незнамов («Доходное место» и «Без вины виноватые» А. Островского), Астров («Дядя Ваня» А. Чехова), Сатин («На дне» М. Горького), князь Мышкин (по роману Ф. Достоевского «Идиот»).

С конца 1922 г. Григорий Белов работает во многих театральных коллективах страны. Сначала был театр Большой пролетарской мануфактуры в Твери (до осени 1924), затем по году актер играет в театрах Ярославля, Владикавказа, Махачкалы, Днепропетровска, Николаева, по два года - в передвижном театре, обслуживающем промышленные центры Донбасса (1929-1931), и Казанском городском драматическом театре (1931-1933). Последующие семь лет играет на сцене Архангельского областного драматического театра (1933 - 1940). В 1936 г. Григорию Белову присваивается звание заслуженного артиста РСФСР. Довоенный творческий путь Белова заканчивается работой в Ленинградском театре им. Ленинского комсомола (ныне в этом здании размещается театр «Балтийский дом»).

В период профессиональных странствий актер продолжает осваивает классический репертуар: в список ролей включаются знаменитые шекспировские образы Ромео («Ромео и Джульетта»), Гамлета («Гамлет»), Яго («Отелло»), расширяется перечень горьковских персонажей: Петр («Последние»), Влас («Дачники»), появляются запоминающиеся образы в пьесах советских авторов (матрос Швандя в драме К. Тренева «Любовь Яровая», Вершинин в пьесе Вс. Иванова «Бронепоезд 14-69»).

В начале войны Григорий Белов отправляется на Карельский фронт, где работает в Государственном театре КФССР, обслуживающем фронт и прифронтовую полосу. За это актер награжден медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне».

В 1945 г. Белов начинает творческую деятельность на сцене Ярославского драматического театра им. Ф. Волкова, старейшего театра страны.

Двадцать лет в труппе Ярославского театра - самый известный и плодотворный период в творчестве Григория Белова. Его театральные работы в это время сочетают точность социальных характеристик, глубину психологического анализа и выверенность жанрового рисунка. Актер исполняет ведущие роли в спектаклях классического репертуара (Крутицкий в комедии «На всякого мудреца довольно простоты» А. Островского, Борис Годунов в трагедии «Царь Федор Иоаннович» А. К. Толстого) и все чаще - в пьесах советских авторов (Воропаев в инсценировке романа «Счастье» П. Павленко, Плакун в «Вечном источнике» Д. Зорина, Гвоздилин в «Третьей патетической» Н. Погодина, Батя в «Иркутской истории» А. Арбузова). По-прежнему Белов обращается к горьковским образам, которые можно считать профессиональным талисманом в его творческой судьбе (Сомов в пьесе «Сомов и другие», Протасов в «Детях солнца», Барон в драме «На дне»).

Сыграв роль судебного следователя в спектакле «Живой труп» Л. Толстого, актер продемонстрировал блистательное мастерство исполнения эпизодической роли.

В конце 1940-х гг. начинается кинематографическая деятельность Григория Белова. Классик советского кино А. Довженко приглашает актера на роль Мичурина в одноименном фильме. В 1949 г. за эту работу Белову присуждается Государственная премия СССР, в этом же году он получает звание народного артиста РСФСР, в 1950 г. награждается орденом Ленина.

После роли ученого-экспериментатора Мичурина актер создает образы таких ярких исторических личностей, как композитор Римский-Корса-ков («Римский-Корсаков», 1953), дипломат Чичерин («Москва-Генуя», 1964). Успехом у зрителей и признанием критики пользовалась роль врача Арсеньева в фильме «Сельский врач» (1952), где актер акцентировал интеллигентность старого доктора и его бережное отношение к людям. Эти качества были присущи и самому Григорию Акинфовичу, выросшему в семье сельского учителя.

В определенной мере актер продолжил семейную традицию. На протяжении многих лет он вел активную педагогическую деятельность: в городах, где доводилось работать, преподавал в театральных студиях мастерство актера и сценическую речь, с 1945 по 1950 г. вел занятия по культуре слова и выразительному чтению в Ярославском педагогическом институте им. К. Ушинского.

Высокий профессиональный статус обязывал советского актера вести большую общественную работу. Григорий Белов был членом президиума ВТО (Всероссийского театрального общества), членом комитета по Ленинским премиям в области литературы и искусства, избирался депутатом Ярославского Совета депутатов, депутатом Верховного Совета РСФСР. В 1956 г.

Григорию Белову было присвоено звание народного артиста СССР.

Литература

Театральная энциклопедия. - Т. 1. - М., 1961. - С. 498-499.

Кинословарь. - Т. 1. - М., 1966. - С. 163 - 164.

Григорий Акинфович Белов // Вологодские зори. - М., 1987. - С. 470 - 471.

Народный артист из Вахонькина // Кадуйские зори. - Кадуй. - 1995. - С. 132 - 135.

С. Патапенко

ПАХОМОВ

Алексей Федорович

(2.10.1900, д. Варламово, Кадниковский уезд - 14.04.1973, г. Ленинград).

Живописец, график, скульптор, педагог. Действительный член Академии художеств СССР, народный художник СССР. Иллюстратор классической русской литературы, в том числе книг для детей и юношества. Награжден золотой медалью за панно «День страны Советов» в советском павильоне Международной выставки в Париже (1937). Лауреат Государственных премий СССР: 1946 - за серию литографий «Ленинград в дни войны и блокады»; 1973 (посмертно) - за иллюстрации и оформление сборника рассказов Л. Н. Толстого «Филиппок» (1954) и «Азбука» (1970-1973). С 1948 г. преподавал в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (Ленинград) на отделении станковой графики.

Вологодская земля подарила культуре России XX в. ярчайшие имена, среди них - Алексей Федорович Пахомов, действительный член Академии художеств СССР (1964), народный художник СССР (1971) - живописец, график, скульптор, педагог. Значение его творческого наследия не ограничивается рамками века прошедшего. Выразив свое время, он навсегда остался в истории русского искусства.

Алексей Пахомов родился 2 октября 1900 г. в деревне Варламово Кадниковского уезда Вологодской губернии в крестьянской семье. Он рано пристрастился к рисованию и, к счастью, находил поддержку и понимание в семье. Вспоминая о тех годах, он писал: «Моего отца ряд лет выбирали старостой, поэтому бумага в доме водилась». Сначала на юного художника обратила внимание учительница сельской школы, а потом и местный владелец усадьбы В. Ю. Зубов. В имении Зубовых Кубин Бор, что находилось в семи верстах от д. Варламово, Пахомов впервые взял в руки иллюстрированные книги, знакомился с репродукциями картин знаменитых русских художников И. Е. Репина и В. И. Сурикова. Семья дворян Зубовых сыграла определяющую роль в судьбе будущего мастера. По инициативе Зубовых он был определен на казенный счет учеником в начальное училище в Кадникове, после окончания которого на собранные Ю. М. Зубовым деньги отправлен в Петроград, в училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. Земляки и в дальнейшем не оставляли без поддержки молодого художника. Голодный 1918 г. он пережил в Кадникове, куда был приглашен на должность преподавателя школы первой и второй ступени. Несмотря на материальные трудности, это время он вспоминал с благодарностью: «Весь год я читал. Передо мной раскрывался мир, которого я, оказывается, почти не знал». Родная земля навсегда оставалась той крепостью, что защищала и помогала как в жизни, так и в творчестве.

Уже не одно юное поколение наших соотечественников открывает для себя мудрость и поэзию классических литературных произведений Л. Н. Толстого, И. С. Тургенева, Н. А. Некрасова, И. А. Бунина, В. В. Маяковского не без помощи ярких и талантливых иллюстраций Алексея Пахо-

мова. Ровесник века, он был свидетелем и участником многих событий и экспериментов в искусстве России XX века. Начал художественное образование в училище технического рисования барона Штиглица (1915 - 1917), а заканчивал его в преобразованной революцией Академии художеств (тогда - ВХУТЕМАС, 1922-1925). Учителями будущего художника были и традиционалисты, и реформаторы - М. В. Добужинский, В. И. Шухаев, С. В. Чехонин, Н. А. Тырса. Последний привел его в редакцию детского отделения Госиздата к В. В. Лебедеву, стоявшему у истоков создания новой детской книги. В конце 1920-х гг. А. Ф. Пахомов уверенно входит в круг ленинградских графиков-иллюстраторов, обретает свой почерк, находит свои темы и своих героев. Пройдя через увлечение искусством Сезанна, затем кубистов, он приходит к творческому осмыслению традиций русской культуры и, в частности, реализма. Вот тут и помогли воспоминания деревенского детства и ежегодные летние поездки на родину в Харовский район, которые художник не прерывал в течение всей жизни. Натурные рисунки, сделанные с односельчан, превращались в законченные композиции, рассказывающие о романтике походов «в ночное», зимних ребячьих забавах, летнем купании и прогулках по лесу. Мир детей с его радостями и огорчениями, новизной открытий, будничными заботами и фантазиями оживал под чутким карандашом мастера. И мы вместе с его героями шли по заснеженной деревне, так напоминающей Варламово («Филипок» Л. Н. Толстого), вслушивались в рассказы мальчишек, сидящих у ночного костра («Бежин луг» И. С. Тургенева), которые, затаив дыхание, слушал когда-то и сам Алексей. Мастерски владея рисунком, Пахомов блестяще передавал непосредственность детского характера, то озорного и непоседливого, то не по годам серьезного. Его композиции всегда изобиловали меткими и емкими деталями, точностью найденных поз и жестов, яркой атрибутикой времени.

Решая профессиональные задачи, в ранний период творчества, когда еще увлеченно занимался живописью и входил в объединение «Круг художников» (1926-1932), Пахомов использовал форму, близкую русской средневековой традиции. Сцены из крестьянского быта - сенокос, косьба - мыслились им как ритуальное действо, в изображении которого им использовались приемы языка фрески или иконы. Но и эти картины рождались на основе бытовых наблюдений и зарисовок, которые Пахомов делал постоянно, находился ли он на отдыхе в деревне, работал ли в городе или у себя в мастерской. В них, этих беглых набросках, виден и меткий глаз наблюдателя, и талант рассказчика, умеющего обобщить и обыграть подмеченную жизненную ситуацию.

Язык Пахомова-иллюстратора формировался постепенно. На раннем этапе заметное влияние на него оказали коллеги -  В. В. Лебедев и Н. А. Тырса. Классический «пахомовский» стиль, основанный на традициях русского реализма, определился к середине 1930-х гг., подтвердив коренные связи художника с народной культурой, которые не обрывались никогда. Вспоминая деревенские обычаи, Пахомов описывал, как на каждую Пасху отец украшал избу яркими «сытинскими» лубками. Такие же «выставки» появлялись и в других домах. Это было настоящим праздником для мальчика, еще не умеющего читать, но с увлечением рассматривающего эти нехитрые нравоучительные истории, рассказанные языком графики. Так складывался Пахомов-иллюстратор, тонко понимающий психологию ребенка, склонный к сюжетному повествованию, любящий говорящую деталь, умеющий воссоздать современную и историческую ситуации.

Блокаду художник пережил в Ленинграде, ставшем его второй родиной. В этот период не книжная, а станковая графика являлась основной сферой его творческой деятельности. Здесь он трудился над серией, посвященной осажденному городу, затем восстанавливаемому после войны. И снова главными героями его графических произведений становятся юные горожане, пережившие вместе со взрослыми все тяготы этих суровых дней. «У нас много пишут о том, что художнику нужно изучать жизнь, - говорил после войны один из ведущих ленинградских живописцев И. А. Серебряный. - В условиях войны и блокады мы не «изучали» жизнь. Мы жили этой жизнью. Все сердца бились в унисон, и у всех была одна мысль, одна цель - все для победы!».

С 1948 г. начинается педагогическая деятельность А. Ф. Пахомова в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (с 1949 - в звании профессора). Здесь он руководил отделением станковой графики.

Однажды найдя в искусстве свою главную тему, А. Ф. Пахомов остался верен ей навсегда. Высокий профессионализм, духовность его творчества поставили нашего земляка в один ряд с ведущими мастерами, определившими лицо культуры своего времени.

Литература:

Пахомов А. Ф. Про свою работу. - Л., 1971.

Пахомов А. Ф. Про свою работу в детской книге. - М., 1982.

Пахомов А. Ф. 10 книжек для детей. - Л., 1986.

Матафонов В. С. Алексей Федорович Пахомов. - М., 1981.

Ленинградская станковая литография. 1933 - 1963. Каталог выставки /Автор вступ. статьи Козырева М. Н. - Л., 1986. - С. 57-59.

Соснина А. Т. Художники Харовской земли (XX век) // Харовск. Краеведческий альманах. - Вологда: ВГПУ, изд-во «Русь», 2004. - С. 295-297.

Смирнова Т.А. «Любимое мое, родное Варламово» // Харовск. Краеведческий альманах. - Вологда, 2004. - С. 278-294.

Л. Г. Соснина

СУХАРЕВСКАЯ

Лидия Павловна (Петровна)

(30.08.1909, г. Грязовец - 10.10.1991, г. Москва)

Актриса театра и кино, народная артистка СССР,

лауреат Государственной премии СССР

Родилась в г. Грязовце Вологодской области (по другим сведениям - в Петергофе). Детство будущей актрисы прошло в деревне Поповкино Грязовецкого района. «Для меня Родина всегда начинается там, на милой Вологодчине», - отмечает Сухаревская (Советская Россия. - 1980. - 21 декабря. - С. 4).

После смерти отца в 1924 году Лидия с матерью становятся жительницами Ленинграда. Еще будучи старшеклассницей, Сухаревская приобрела богатый жизненный опыт. Желая помочь матери, она подрабатывала маникюршей, табельщицей, разнорабочей на строительстве больницы, затем поступила на вечерние курсы кройки и шитья. На курсах был организован драмкружок, руководительница которого посоветовала девушке стать актрисой. С 1927 по 1930 г. Лидия Сухаревская учится в Первой государственной художественной студии в Ленинграде. После ее окончания она становится актрисой филиала Ленинградского передвижного колхозно-совхозного агиттеатра (Театра пропаганды). Молодым актерам этого коллектива приходилось не только играть на сцене, но и работать осветителями, реквизиторами, помогать самодеятельным начинаниям колхозников, читать лекции на творческие и политические темы, создавать агитационные сценарии на местном материале. Через год филиал Театра пропаганды распался, и Сухаревская работала в Театре рабочей молодежи (ТРАМе) и театре Радиокомитета.

Переломный момент в творческой судьбе актрисы наступает в 1933 г., когда ее принимают в труппу Ленинградского театра комедии (до 1935 г. он назывался «Ленинградский театр сатиры и комедии»). Именно здесь происходит формирование творческой индивидуальности актрисы, становление ее профессионального мастерства. Работая под руководством известного режиссера и художника Н. Акимова, Сухаревская приобрела вкус к остроте сценической формы, элегантности внешнего рисунка роли, интеллектуальной насыщенности образа. Наиболее ярко эти черты проявились в таких работах «акимовского периода», как Юлия Джули («Тень» Е. Шварца), Бетти Уайтхауз («Опасный поворот» Дж.-Б. Пристли), Элли («Дорога в Нью-Йорк» Л. Малюгина), Элиза Дулитл («Пигмалион» Б. Шоу).

С Театром комедии актриса пережила войну. В первую блокадную зиму с концертной бригадой она выезжала на фронт, потом коллектив был вывезен из осажденного города боевым самолетом. В 1943 г. Сухаревская - заслуженная артистка Таджикской ССР. В 1944 г. Ленинградский театр комедии гастролировал в Москве, после чего Сухаревская принимает решение остаться в столице. Неустанный профессиональный поиск, нежелание довольствоваться достигнутым, стремление к творческой самостоятельности - эти черты, присущие Лидии Сухаревской, объясняют столь радикальный поворот в судьбе актрисы.

В течение последующих 20 лет Сухаревская меняет несколько московских театров, создавая яркие сценические образы в каждом из них. В Московском театре драмы (впоследствии Московский драматический театр им. Вл. Маяковского) актриса запомнилась в роли своей современницы Мальцевой («Директор» С. Алешина); в Театре-студии киноактера - в ролях ученого-математика Софьи Ковалевской в одноименной пьесе бр. Тур и изломанной, опустошенной Гедды Габлер в драме Г. Ибсена; в Театре сатиры Сухаревская сыграла ироничную Хизиону в пьесе Б. Шоу «Дом, где разбиваются сердца». С 1963 по 1974 г. Сухаревская работает в Московском драматическом театре, впоследствии ставшем Московским драматическим театром на Малой Бронной. В это время Сухаревская зарекомендовала себя как актриса, не знающая жанровых и стилистических ограничений. Ей в равной степени были подвластны гротеск и лиризм, публицистическая заостренность и психологическая нюансировка, яркий комизм и затаенный драматизм. Зачастую Сухаревская органично сочетала эти характеристики в рамках одной роли. В репертуаре этого периода по-прежнему преобладают роли зарубежных авторов (Мать в одноименном произведении К. Чапека, Клер Цеханассьян в «Визите дамы» Ф. Дюрренматта, Эдит Пиаф в пьесе «На балу удачи», которую актриса написала в соавторстве с Е. Якушкиной). Но с таким же успехом Сухаревская играет роль Щелкановой в «Золотой карете» Л. Леонова, создает необычный сценический образ Египетской пирамиды в спектакле «Братская ГЭС» по поэме Е. Евтушенко. В 1967 г. она получает звание народной артистки РСФСР.

С 1974 г. Сухаревская вновь служит в Московском драматическом театре им. Вл. Маяковского. Самой яркой работой последнего периода творчества актрисы, многие годы сохранявшейся в ее репертуаре, стала роль Лидии Васильевны в «Старомодной комедии» А. Арбузова. В этом дуэтном спектакле Сухаревская играла вместе с мужем, народным артистом СССР Борисом Тениным. Главная тема творчества актрисы - необходимость хранить верность идеалам добра и красоты, беречь неповторимость человеческой индивидуальности - прозвучала в «Старомодной комедии» с пронзительной одухотворенностью.

С 1939 года Лидия Сухаревская снималась в кино (первая роль в фильме «Василиса Прекрасная») и тоже зарекомендовала себя как актриса широкого творческого диапазона. В 1940-е годы она появилась на экране в фильмах «Танкер «Дербент», «Лермонтов», «Человек № 217», «Встреча на Эльбе», «Звезда». В 1951 г. Сухаревской присуждается Государственная премия СССР за роль великой княгини Елены в фильме «Мусоргский». Во второй половине 1950-х годов успех сопутствует актрисе в фильмах «Бессмертный гарнизон», «Поединок», «Дожди». Следующее десятилетие в кино актриса открывает фильмом «Жизнь сначала», в котором она является автором сценария и исполнительницей главной роли. Всего Сухаревская снялась более чем в 25 фильмах. Актриса часто выступала с литературными композициями по известным произведениям отечественных и зарубежных авторов. Заметной работой такого плана стала роль Пелагеи в композиции «Пелагея и Алька» по Ф. Абрамову (1974).

В 1990 г. Лидии Сухаревской было присвоено звание народной артистки СССР.

По завещанию Сухаревской и Тенина в их московской квартире (Большая Никитская улица, 49, кв. 35) организуется филиал Центральной научной библиотеки Союза театральных деятелей России.

Литература

Владимирова 3. Лидия Сухаревская. - М., 1977.

Вульф В. Я. Звезды трудной судьбы. - М., 1997. - С. 54-61.

Актеры советского кино. - М., 1967. - Вып. 3. - С. 187-201.

С. Патапенко

ОРЛОВ

Сергей Михайлович

(14.09.1911, г. Санкт-Петербург - 18.11.1973, г. Москва).

Скульптор. Член-корреспондент Академии художеств СССР, народный художник РСФСР. Работал в области монументальной и станковой скульптуры. Автор ряда памятников (Дмитрию Долгорукому в Москве, Афанасию Никитину в Твери, композиций для павильонов ВДНХ и станций Московского метрополитена), скульптурных композиций по мотивам русских былин, сказок и жанровой пластики в фарфоре и майолике. За скульптурные композиции «Мать», «Александр Невский», «Сказка» (фарфор) присуждена Государственная премия СССР (1946). За композицию «Илья Муромец и Соловей-разбойник» (фарфор) присуждена серебряная медаль Всемирной выставки в Брюсселе (1958).

В историю русского изобразительного искусства Сергей Орлов вошел как скульптор, мастер пластики малых форм и автор монументальных произведений, ставших классикой отечественной культуры XX в., - памятников Юрию Долгорукому в Москве и Афанасию Никитину в Калинине (ныне - Тверь).

Сергей Михайлович Орлов родился 14 сентября 1911 г. в Петербурге. В 1918 г., спасаясь от голода, его семья переезжает в Вологду, где прошли детские и отроческие годы будущего художника. После окончания семилетки юноша поступает в железнодорожный техникум, здесь на его талант обращает внимание учитель рисования. В 1925 г. молодой человек приходит в частную художественную студию Юлии Ферапонтовны Аузан. Уже позднее в одном из писем Орлову она вспоминала те далекие годы: «Когда Вы заявились ко мне, то представляли из себя чистый лист бумаги, где написано было одно: «творить». Бывая часто в моей семье, видя людей образованных, их манеры, разговоры, Вы понемногу вклинивались в тот круг, который был необходим для роли, уготованной Вам судьбой. Я всегда понимала и отмечала Вашу одаренность, силу и творческую неугомонность. Это приходилось отмечать после каждого этюда, пейзажа или натюрморта, выполняемого легко, самобытно. И всегда Вы отмечали в натуре то, что оставалось незамеченным другими, работающими у меня по воскресеньям». Общение с человеком, обладавшим большой внутренней культурой, тонким художественным вкусом, прекрасным знанием отечественного и зарубежного искусства, какой была Ю. Ф. Лузан, не прошло бесследно для Сергея Орлова. И через годы, уже окончательно обосновавшись в Москве, он сохранил любовь и уважение к первому и единственному своему педагогу и к Вологде, где осознал себя как личность и которую всегда считал своей родиной.

В 1929 г. С. М. Орлов приехал в Москву с твердым намерением учиться, но поступить в художественный институт ему не удалось. Несмотря ни на что, он решил остаться в столице. Помощь пришла от сотрудников Музея керамики, которые оценили дарование юноши и помогли устроиться на работу в этот музей. Вскоре на практике, посещая Дмитровский завод фарфоровых изделий (бывший Гарднера), он изучил все тонкости керамического производства. Творческий путь был выбран, дальше все зависело от него самого, а упорства и работоспособности Орлову было не занимать.

Результат почти полувековой деятельности Сергея Михайловича - огромное творческое наследие: мелкая пластика, станковая и монументальная скульптура, живописные и графические произведения. Оценивая работы раннего периода и годов зрелости, невольно отмечаешь, какое большое значение в творчестве художника имели традиции национальной культуры: народная керамика, русский фарфор и фаянс конца XIX - начала XX в. Наверное, потому так любил Орлов работать в этих материалах, вводя в них цвет и обязательную сюжетную основу. Стоит вспомнить его первые пластические композиции: «Лесной разговор», «Драка», которые сам автор называл фантазиями или фантастическими шутками. В работах зрелого периода эти качества виртуозно выражены в пластической серии «Цирк». Его «клоунады» соединяли в себе меткий юмор, присущий народному искусству, и изысканность русского фарфора начала XX столетия.

«Орлов - вдохновенный певец русской эпической былины и народной сказки. Его произведения проникнуты большой любовью и народной мудростью... увлекают полетом мысли, выразительностью и тонкостью проникновения в чарующий мир сказки». Эти слова всемирно известного скульптора С. Т. Коненкова посвящены композициям из фарфора: «Конек-Горбунок», «Илья Муромец и Соловей-Разбойник», «Сказка о золотой рыбке» и многим другим, созданным художником с величайшей виртуозностью и мастерством в разные годы его творческой жизни. Нельзя не отметить тот факт, что делались они не традиционным способом формовки, а лепились непосредственно из фарфоровой глины, что до С. М. Орлова никто не делал. Так создавались уникальные, выполненные в единственном экземпляре произведения. К ним принадлежала и знаменитая «Сказка», подаренная американскому дипломату А. Гарриману в 1944 г. В. М. Молотовым без согласования с автором, прямо с выставки.

Послевоенные годы нельзя назвать временем, благоприятным в развитии российской малой пластики. Утрата ею утилитарных функций, ориентация на статуарность приводят к развитию так называемой «кабинетной» скульптуры, повторяющей зачастую образцы монументальной пластики. Именно в этот период С. М. Орлов, уже именитый художник (лауреат Государственной премии СССР за 1946 г.), реализует себя как скульптор-монументалист. Он автор композиций для павильонов ВДНХ, Московского университета и метрополитена столицы.

Опираясь на лучшие традиции мировой и отечественной классики, он создает памятники, ставшие не только органичной частью городского ансамбля, его стилистически и эмоционально организующим звеном, но вехами в истории развития монументальной скульптуры страны. В результате объявленного конкурса на памятник Юрию Долгорукому лучшим был признан проект Орлова. Работа над монументом началась летом 1947 г. и продолжалась в течение шести лет. 6 июня 1953 г. в торжественной обстановке состоялось открытие нового памятника, ставшего сразу одним из самых популярных монументов, украшающих нашу столицу. В 1954 г. скульптор был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР.

Весной 1955 г. Орлову было предложено работать над памятником землепроходцу Афанасию Никитину. Скульптор сразу нашел удачное решение фигуры, изобразив Никитина в дорожном платье, с непокрытой головой, идущим спокойным и твердым шагом. Памятник был выполнен в небывало короткий срок - за три месяца - и явился очередной творческой удачей скульптора. Расположенный в центре города, на высоком берегу Волги, он организует всю прилегающую к нему часть набережной и является доминантой новой площади.

Лауреат Государственной премии 1946 г., обладатель серебряной медали Всемирной выставки в Брюсселе (1958), Сергей Орлов в 1968 г. был удостоен звания народного художника РСФСР.

Произведения мастера находятся в коллекциях крупнейших музеев нашей страны. Память о нем сохраняется и в Вологде. В 1990 г. здесь состоялась большая персональная выставка художника. В собрании Вологодской областной картинной галереи находятся графические и живописные произведения мастера, а также отдельные образцы его знаменитой фарфоровой пластики.

Труды

Орлов С. Скульптура в городе // Искусство. - № 4. – 1958.

Литература

Нерсесов Н. Я. Сергей Михайлович Орлов. - М., 1956.

Сергей Михайлович Орлов. Каталог выставки. - М., 1983.

Коненков С. Т. Воспоминания, статьи, письма: В двух книгах - М.: Изобразительное искусство, 1985.

Орлов С. - художник русского народа: Фарфоровый сказ и Юрий Долгорукий. - М., 1998.

Сергей Михайлович Орлов. Скульптура, живопись, графика. Каталог выставки из собрания семьи художника / Автор-составитель Л. Г. Соснина. - Вологда, 1990.

Л. Г. Соснина

ЛЕВИЦКИЙ

Николай Алексеевич

(27. 12. 1911, д. Никола-Пенье, Грязовецкий р-н - 15. 08. 1982  г. Ленинград)

Кинорежиссер и сценарист, народный артист СССР,

лауреат Государственной премии РСФСР.

Родился в деревне Никола-Пенье Грязовецкого района Вологодской области в многодетной семье церковного певчего и крестьянки. Алексей Васильевич Левицкий, отец будущего кинорежиссера, учился в Вологодской духовной семинарии, из которой был исключен за участие в студенческих волнениях. Переехав в деревню, Алексей Васильевич женился на местной крестьянке Анне Павловне Грачевой.

Первые театральные впечатления Николая Левицкого были связаны с деятельностью отца, образованного и начитанного человека, ставившего спектакли с участием сельских учителей и молодежи. Вскоре и сам Николай стал осуществлять постановки пьес на школьной сцене. С детских лет он также проявлял интерес к рисованию и литературе.

В 1930 г. Николай Левицкий поступил на режиссерское отделение Всесоюзного государственного института кинематографии (ВГИК) в Москве, где учился в группе под руководством всемирно известного режиссера С. Эйзенштейна. На защите дипломной работы Левицкий представил проект постановки художественного фильма о Бетховене, в котором выступил одновременно как режиссер, сценарист и художник. Консультантом по сценарию у начинающего кинематографиста был известный литературовед и писатель В. Шкловский.

В 1936 г. Николай Левицкий получает специальность режиссера художественной кинематографии. Но к профессиональной деятельности приступает лишь после окончания срока военной службы, во время которой обучается в авиашколе.

Демобилизовавшись из армии, Левицкий работает ассистентом режиссера на киностудиях «Ленфильм» и «Белгоскино». Война застает его в Минске. С группой коллег по студии Николаю Алексеевичу удается добраться до Москвы, откуда его вновь направляют на «Ленфильм» ассистентом режиссера у М. Калатозова, автора будущего шедевра советской кинематографии «Летят журавли». В дни ленинградской блокады Николай Левицкий возглавляет рабочий отряд «Ленфильма», в задачу которого входила охрана студии от зажигательньгх бомб. В 1942 г. Левицкий добровольцем уходит на фронт, служит в войсковой разведке и заканчивает войну в звании майора.

В мирной жизни творческую деятельность режиссеру удается начать не сразу. Николаю Левицкому поручают ответственную работу чиновника за границей, назначив уполномоченным «Совэкспортфильма» в Индии, Голландии, затем предоставляют должность директора Ленинградской студии научно-популярных фильмов. Начиная с 1956 года Левицкий работает режиссером на этой студии. С этого времени и начинается отсчет его творческой биографии.

С 1957 по 1982 г. режиссер снял 36 научно-популярных и документальных фильмов, ко многим из которых он написал сценарии. Один за другим в конце 1950-х - начале 1960-х гг. выходят фильмы Левицкого, посвященные искусствоведческой тематике: «Живопись Нидерландов, Фландрии и Голландии» (1958), «Искусство Италии» (1958), «Пергамский алтарь» (1958), «Сокровища мировой культуры» (1959), «Французская скульптура» (1960). Фильм «Русский камень» (1960), рассказывающий об уральских самоцветах и мастерстве русских резчиков по камню, имел большой успех на международном фестивале в Сан-Франциско и получил почетный диплом.

1960-е гг. в творчестве Левицкого отмечены интересом к историко-революционной теме. Режиссер исследует причины вызревания революционных идей в России: «Александр Ульянов» (1963), «Кровавое воскресенье» (1964). Фильм «Оружие сатиры» (1966) о произведениях русского сатирического искусства 1905 - 1907 гг. выявляет критическую направленность общественного сознания по отношению к существовавшей власти.

Николай Левицкий пристально всматривается в первые страницы истории революционной России, особое внимание уделяя роли Ленина в становлении советской государственности: «Выстрел Авроры» (1961), «Ленин в Смольном», «Вблизи России» (оба фильма - в 1963), «Во главе государства Советов» (1967), «Искусство - народу» (1969). Этот этап творчества режиссера был отмечен присуждением ему в 1968 г. Государственной премии РСФСР им. братьев Васильевых (за фильмы «Александр Ульянов», «Вблизи России», «Кровавое воскресенье», «Во главе государства Советов»). Фильмы Николая Левицкого на историко-революционную тему не выходили за рамки идеологических координат времени, но они выделялись в ряду официальной документалистики. Их отличали образность, метафоричность подачи исторического материала. Органичное сочетание художественного начала с достоверностью документальных и научных фактов - отличительная черта творческого почерка Николая Левицкого.

В 1970-х - начале 1980-х гг. режиссер обращается к теме Великой Отечественной войны и к созданию произведений о прославленных деятелях отечественной культуры и науки. В фильме «Крылом к крылу» (1973) режиссер рассказывает о дружбе и совместных военных действиях советских и французских летчиков из полка «Нормандия-Неман». Конструктору ракетно-космической техники М. Янгелю посвящается фильм «Человек большой цели» (1979). Но главное место в творчестве Николая Левицкого этого периода занимают киноповествования о русских писателях: Л. Толстом, Ф. Тютчеве, Е. Баратынском, Ф. Достоевском. Творческий путь Николая Алексеевича символично завершается работой над фильмом «Константин Батюшков» (1982), в котором много кадров отдано батюшковским местам Вологодчины - Хантонову и Даниловскому. Примечательно, что в начале режиссерской деятельности Николай Левицкий тоже обращался к творчеству земляка, художника В. Верещагина («Индийская поэма В. Верещагина», 1961).

В течение многих лет Николай Алексеевич Левицкий поддерживал связь со своими земляками. К 200-летию Грязовца режиссер подарил городу свои картины, на которых запечатлены пейзажи родных мест («Родное село Пенье», «Воспоминание на реке Нурме»), Любовь к природе нашла отражение и в писательских опытах Николая Левицкого. Во втором номере журнала «Аврора» за 1976 год опубликованы его рассказы.

Николай Алексеевич Левицкий - народный артист СССР (1982), награжден орденами Октябрьской Революции, Отечественной войны I и II степени, Красной Звезды, «Знак Почета» и многими медалями.

Труды

Левицкий Н. А. Штрихи к портрету // Эйзенштейн в воспоминаниях современников. - М., 1974. - С. 271-275.

Левицкий Н. А. Рассказы // Аврора. - 1976. - № 2. - С. 69-71.

Николай Левицкий: Рассказы о творческом пути. - Л., 1977.

С. Патапенко

САФОНОВ

Василий Васильевич

(9.04.1914 г., с. Колчаново, ныне - Волховский р-н Ленинградской обл.)

Актер театра, народный артист РСФСР.

Родился в селе Колчаново (ныне - Волховский район Ленинградской области) в семье крестьянина, уроженца Вологодской области. В 1932 г. закончил ФЗУ (школу фабрично-заводского ученичества) и работал электромонтером на целлюлозно-бумажном комбинате поселка Сясьстрой Ленинградской области. Именно в это время стал увлекаться театром, принимая участие в постановках ТРАМа (Театра рабочей молодежи). В 1933 г. поступил в театральное училище при Ленинградском государственном академическом театре им. А. Пушкина (ныне Александрийский театр), но состояние здоровья и тяжелое материальное положение не позволили завершить обучение.

В 1935 г. Сафонов начинает профессиональную деятельность на сцене Петрозаводского театра юного зрителя. Затем он работал в Ленинградском областном ТЮЗе (1937-1938) и год в Ленинградском районном театре. В конце 1939 г. актера приглашают в труппу Вологодского театра юного зрителя, в следующем сезоне - в городской театр Череповца. Работа на Вологодчине, родной земле отца, явилась для Сафонова началом творческого становления, определила его дальнейший актерский путь.

В 1941 г. актер дебютировал на сцене Вологодского областного драматического театра в роли Сергея Луконина в спектакле «Парень из нашего города» К. Симонова. С этих пор, за исключением нескольких лет, когда работал в театрах Читы (1949-1951) и Саратова (1961-1965), вплоть до выхода на пенсию в 1989 г. являлся ведущим актером Вологодского театра. В 1940-е годы сыграл ряд центральных ролей классического и современного репертуара. Развитием романтико-героической темы в творчестве актера после симоновского Луконина стал образ партизана Константина Заслонова в одноименном спектакле, а тонкость психологического рисунка он осваивал, создавая роли Вронского, Хлестакова, Жадова, Незнамова (в постановках по произведениям Л. Толстого, Н. Гоголя, А. Островского).

В 1950-х годах в работах Сафонова сочетались социальная острота сценических характеристик и глубокое проникновение во внутренний мир персонажей. Об этом свидетельствовали роли Чацкого в «Горе от ума» А. Грибоедова, Карандышева в «Бесприданнице» А. Островского, царя Федора в трагедии А. К. Толстого «Царь Федор Иоаннович». Федора Протасова в «Живом трупе» Л. Толстого, Платона Кречета в одноименной пьесе Н. Корнейчука, Федора Таланова в драме Л. Леонова «Нашествие», Хлебникова в пьесе А. Штейна «Персональное дело». Этот этап деятельности Василия Сафонова увенчался присвоением ему в 1955 г. звания заслуженного артиста РСФСР.

Особая страница в творческой судьбе актера связана с исполнением роли Ленина. Впервые Сафонов сыграл ее в Читинском драматическом театре в пьесе «Семья» И. Попова, где создал образ молодого Ульянова. Уже с готовой ролью он вошел в спектакль Вологодского театра, куда после двухлетнего отсутствия вернулся в 1951 г. Затем Сафонов являлся бессменным исполнителем роли Ленина во всех спектаклях о нем, поставленных на вологодской сцене в 1950-х - начале 1970-х годов: «Кремлевские куранты» Н. Погодина, «Заря над Питером» А. Вербицкого, «Шестое июля» М. Шатрова, «Третья патетическая» Н. Погодина, «Вечный источник» Дм. Зорина, «Коммунист» Е. Габриловича. Об этих работах Сафонова много писала вологодская и столичная пресса. Актер также снялся в роли Ленина в телевизионном фильме «Разговор в лесу». В 1970 г. он получил звание народного артиста РСФСР.

В 1970-1980-е гг. в репертуаре актера преобладают возрастные и характерные роли: Отец («Порог» А. Дударева), Лоншаков («Обратная связь» А. Гельмана), Иорам («Закон вечности» Н. Думбадзе), Старик («Старик» М. Горького), граф де Граншан («Мачеха» О. Бальзака), Митя («Любовь и голуби» В. Гуркина), Котов («Змеелов» по Л. Карелину), Сольц («Дети Арбата» по А. Рыбакову). В этих работах Сафонов по-прежнему верен своему пониманию актерского искусства как деятельности социально ориентированной, граждански активной. Многих своих героев он наделил неуспокоенной совестью, преданностью долгу и идеалам юности. Особую значимость в этом плане имела для актера роль Федора Касаткина  пьесе известного вологодского писателя В. Белова «Над светлой водой», которая принесла Сафонову звание лауреата областной премии им. А. Яшина.

На протяжении всей творческой деятельности актер активно занимался общественной работой. Он неоднократно избирался депутатом районного, городского и областного Советов народных депутатов, являлся ректором университета культуры школы МВД СССР, постоянно принимал участие в творческих встречах с вологжанами.

Профессиональная и общественная деятельность Василия Сафонова получила широкое признание. Он награжден орденом «Знак Почета» (1981) и 9 медалями.

Живет в Вологде.

Литература

Тура И. Путь к мастерству: О работе заслуженного артиста республики В. В. Сафонова // Литературная Вологда. - 1956. - № 2. - С. 194-205.

Сизова Г. Образ Ленина на сцене Вологодского театра // Север. - 1969. - № 8. - С. 86-90.

С. Патапенко

ЩУКО

Марина Владимировна

(24.10.1915, г. Петроград - 30.09.1979, г. Вологда)

Актриса театра, народная артистка РСФСР, лауреат Государственной премии РСФСР.

Родилась 24 октября 1915 г. в Петрограде в семье известного архитектора. Владимир Алексеевич, отец будущей актрисы, увлекался сценическим искусством, принимал участие в создании спектаклей как театральный художник. Он был знаком со многими известными деятелями русской культуры своего времени.

Детство Марины Щуко прошло в творческой атмосфере. Первую роль она сыграла на квартире А. Толстого в домашнем спектакле «Бармалей», в котором взрослым партнером малышей был К. Чуковский. Несколько раз маленькую актрису приглашали на детские роли в театр им. А. С. Пушкина (ныне Александрийский).

В 1932 г. Марина Щуко поступила в театральное училище при ленинградском Большом драматическом театре (БДТ). После его окончания с 1936 по 1939 г. работала в филиале этого театра. Затем - в Ленинградском театре эстрады и миниатюр (1939-1940). Война застала актрису в Выборге, где она играла в местном театре (1940-1941). В составе концертной бригады выезжала в действующую армию Карело-Финского фронта. Вскоре Выборгский театр был эвакуирован на Урал, но Щуко из-за болезни сына осталась в Ленинграде, откуда в конце 1941 г. была направлена в труппу городского драматического театра г. Кизела, а в 1944 г. - в областной драматический театр г. Перми. И вновь с концертной бригадой выезжала на фронт. С частями I Украинского фронта прошла Польшу и часть Германии. В эти годы в репертуарном списке актрисы появляются роли в пьесах, написанных непосредственно во время воины (Валя в «Русских людях» К. Симонова, Аниська в «Нашествии» Л. Леонова). За творческую деятельность во время Великой Отечественной войны Марина Владимировна Щуко награждена медалями «За трудовую доблесть в Великой Отечественной войне» и «За победу над Германией».

После войны актриса работала в областных драматических театрах Смоленска (1945-1948), Омска (1948-1953), Пензы (1953-1954). Новый этап в судьбе Марины Щуко начинается с переезда в Вологду.

Четверть века (1954-1979) отдала актриса сцене Вологодского областного драматического театра. Многие годы ее роли определяли творческое лицо коллектива, служили эталоном профессионального мастерства и сценической культуры. За 25 лет Марина Щуко создала большое число образов самого широкого диапазона. Ей в равной степени удавались роли лирические и острохарактерные, классических героинь и современниц, драматического и комедийного плана. Уже через несколько лет работы в Вологодском театре Марине Владимировне Щуко было присвоено звание заслуженной артистки РСФСР (1961). В 1950-е - 1960-е гг. в репертуаре актрисы преобладали роли из русской классики: Марфинька (инсценировка романа И. Гончарова «Обрыв»), Полина, Глафира («Доходное место», «Волки и овцы» А. Островского), Коробочка (инсценировка «Мертвых душ» Н. Гоголя), Раневская («Вишневый сад» А. Чехова), Акулина Ивановна («Мещане» М. Горького). Среди ролей из произведений советских авторов в эти годы успехом пользуются такие сценические образы Щуко, как Люба Шевцова (инсценировка романа А. Фадеева), Дунька («Любовь Яровая» К. Тренева), Катя в «Истории одной любви» К. Симонова. Также она играет Элизу в пьесе Б. Шоу «Пигмалион» и Дорину в «Тартюфе» Мольера. Но самой яркой работой зарубежного репертуара в творчестве Марины Щуко стала роль Живки в сатирической комедии югославского драматурга Б. Нушича «Госпожа министерша». С искрометным мастерством актриса создала образ мещанки, теряющей разум от широты возможностей, которые открывались ей после назначения мужа на пост министра. Как человек высокой культуры, интеллигентная женщина и блестящая актриса, Марина Щуко в роли Живки вывела на творческий суд то, что не принимала в жизни: хамство, душевную пустоту, социальное чванство.

Особая страница в творческой судьбе актрисы связана с ролями в произведениях известного вологодского писателя В. Белова. В 1970-е гг. Марина Щуко сыграла Секлетинью в «Сценах из районной жизни» и Трефену в пьесе «Над светлой водой», за которую она получила премию им. А. Яшина. В 1974 г. Марине Щуко присваивается звание народной артистки РСФСР.

Последней актерской работой Марины Владимировны Щуко стала роль Анны в инсценировке повести В. Распутина «Последний срок». Образы Трефены и Анны можно рассматривать как достойный и закономерный итог творческого пути актрисы. В них Марина Щуко по-человечески мощно и профессионально убедительно доказывала неистребимость жизнеутверждающего начала в мире, защищала гуманистические основы бытия. Этой теме Марина Владимировна Щуко была верна на протяжении всей своей актерской деятельности. За роль Анны в «Последнем сроке» Марине Щуко присуждена Государственная премия РСФСР им. К. Станиславского (1978).

Вологда стала для актрисы родным городом, которому она отдавала не только свой талант, но и гражданский темперамент. С 1970 по 1978 г. Марина Щуко возглавляла Вологодское отделение ВТО (Всероссийское театральное общество, ныне СТД - Союз театральных деятелей России), много лет была членом президиума областного Комитета защиты мира, неоднократно избиралась депутатом областного и городского Советов народных депутатов. В 1972 г. в связи с празднованием 825-летия города актрисе было присвоено звание «Почетный гражданин города Вологды». Она награждена орденом «Знак Почета», медалью «За доблестный труд».

В Международный день театра, 27 марта 1988 г., на доме по Советскому проспекту, 24, в котором Марина Владимировна Щуко и ее муж, заслуженный деятель искусств РСФСР Александр Васильевич Шубин (1898-1978), прожили с момента переезда в Вологду, была установлена мемориальная доска как дань признательности и благодарности вологжан этим деятелям театра.

В 1995 г. правление Вологодского отделения СТД приняло решение о присвоении профессиональной премии имени народной артистки РСФСР М. В. Щуко «Лучшая женская роль года». Ее вручение происходит ежегодно в Международный день театра.

Литература

Аринин В. Своя, вологодская // Театральная жизнь. - 1977. - № 17. - С. 14-15.

Гаева Н. Северное кружево // Театральная жизнь. - 1979. - № 7. - С. 14.

Ячеистова А. Г. Женщины земли Вологодской. - Вологда, 2004. - С. 105-106.

С. Патапенко

ЗВОНЦОВ

Василий Михайлович

(13.04.1917, д. Вахонькино, ныне Кадуйский р-н - 20.11.1994, г. Ленинград).

График, автор теоретических исследований, педагог. Заслуженный художник РСФСР (1978), народный художник РСФСР (1983). Участник Великой Отечественной войны. Учился в ленинградском Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (1946-1952), где позже преподавал на факультете графики (1953-1971). Работал в области печатной и станковой графики, особую известность получили работы художника,

посвященные Пушкинскому заповеднику в Михайловском.

Василий Михайлович Звонцов родился 13 апреля 1917 г. в деревне Вахонькино Кадуйского района Вологодской губернии в семье сельских учителей. Отец немного играл на скрипке и рисовал, в доме была хорошая библиотека. «Среди репродукций, которые собирал мой отец - сельский учитель и художник-самоучка, - меня особенно поразили картины Левитана, Саврасова, Шишкина, Васильева, а домоткановские пейзажи Серова меня просто околдовали», - так вспоминал художник о своем деревенском детстве. В 1924 г. семья переезжает в Череповец - маленький и тихий в то время провинциальный городок, чтобы дать возможность детям продолжить образование. Здесь начинаются систематические занятия рисованием Василия Звонцова под руководством А. А. Алексеевой, в прошлом выпускницы ВХУТЕИНа. Дорога в жизни была выбрана.

В 1935 г., когда семья переехала в Ленинград, он поступает в Ленинградское художественное училище (ныне имени В. А. Серова). Среди преподавателей, оказавших особое влияние на будущего художника, был А. А. Громов - прекрасный рисовальщик и офортист. «Именно Громов первым рассказал нам об офорте, - вспоминал впоследствии Звонцов, - показал оригиналы. С тех пор я задумал непременно стать офортистом». В 1939 г. Звонцов становится студентом Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, но уже осенью призывается на военную службу. Когда срок службы подходил к концу, началась Великая Отечественная война. Все годы войны он был в действующей армии, служил в пехоте, начал как командир взвода, закончил старшим помощником начальника оперативного отдела штаба армии. Победу встретил в Берлине в звании подполковника, кавалером пяти боевых орденов.

Звонцов мало рисовал на фронте, да и немногочисленные пейзажные наброски, портреты однополчан, зарисовки фронтового быта погибли в 1944 г. при артобстреле. К изображению событий Великой Отечественной войны художник обратился много позднее в серии «По дорогам войны», которой как дипломной работой заканчивал институт в 1952 г., и в 1985 г. в триптихе «На старых окопах». Но помнил о ней всегда, особенно своих однополчан. С теплотой и болью вспоминал о подарке - репродукции рисунка Леонардо да Винчи, которую привез ему из Москвы начальник артиллерии полка Всеволод Шишкин. Погиб капитан Шишкин под Даугавпилсом.

В 1946 г. Звонцов был демобилизован и восстановлен на первом курсе факультета живописи ленинградского Института имени И. Е. Репина, затем перешел на вновь организованный факультет графики (1948). Его учителями были прославленные отечественные мастера К. И. Рудаков, А. Ф. Пахомов, Л. Ф. Овсянников и Г. Д. Епифанов, дело которых он продолжил не только в творческой работе, но и в педагогической деятельности. С 1953 г. в течение восемнадцати лет Василий Михайлович преподавал на факультете графики Института им. И. Е. Репина.

Многие годы Звонцов работал в технике офорта, которую любил и знал досконально. Он владел всеми известными манерами этой графической техники, в том числе и редкими, «забытыми». Художника привлекала органическая связь травленого штриха с бумагой, меткость и подвижность офортной иглы, поэтому он предпочитал классический офорт и гравирование сухой иглой. В этих техниках Звонцовым выполнены многочисленные серии пейзажей, посвященные пушкинским местам, в частности Пушкинскому заповеднику в Михайловском. Здесь художник работал около тридцати лет.

«В его листах, посвященных Пушкинскому заповеднику, - пишет его друг поэт Михаил Дудин, - звучит вечная музыка этих волнистых просторов земли, этих березовых и сосновых перелесков, разбегающихся во все концы лета, заглядывающих на бегу в тишайшие зеркала озер, как в глаза бессмертной любви и страсти». Удивительно, но черно-белые произведения графика действительно рождают ощущение цветности. В пушкинских работах Звонцова нет мемориальности, и это - не иллюстрации к стихам поэта. Художнику удалось почувствовать в пейзаже этого края особую лирическую нотку. Он предложил зрителю увидеть в природе Михайловского присущее только ей «очей очарованье», которое вдохновляло и питало поэтический гений Пушкина.

Из всего многообразия жанров Звонцову ближе всего пейзаж. Пристрастие к родной северной природе объяснимо и понятно, оно зиждется на воспоминаниях детства и юности. Война же научила ценить хрупкость и неповторимую красоту окружающего мира и мира природы, в частности. По словам самого художника, «настоящий пейзаж вызывает чувства куда более тонкие, представления более значительные и развивает в людях способность замечать и ценить прекрасное». Исходя из этого, можно понять, почему таким глубоким философским смыслом наполняет он пейзажный образ. И как большой мастер и профессионал, Звонцов особое внимание уделял технической стороне своих произведений. Он виртуозно владел карандашом, углем, китайской тушью.

Его привязанность и любовь к графическим техникам вылилась в глубокое знание этого богатейшего материала, которое в конечном итоге нашло выражение в учебнике «Офорт», выпущенном в соавторстве с В. И. Шистко. Василий Михайлович является автором книги «Основы понимания графики», ряда статей об этом виде изобразительного искусства и о выдающихся современных графиках. Заслуги В. М. Звонцова были отмечены присвоением ему звания заслуженного художника РСФСР в 1978 г. и затем народного художника РСФСР в 1983 г.

Труды В. М. Звонцова

Техника офорта. - Л., 1959.

Основы понимания графики. - М., 1971.

Наследие Д. И. Митрохина // Искусство. - 1974. - № 8. - С. 33-38.

О культуре экспонирования // Творчество. - 1975. - № 11. - С. 13-14.

Литература

Подвиг века. Художники, скульпторы, архитекторы, искусствоведы в годы Великой Отечественной войны и блокады Ленинграда. - Л., 1969. - С. 237-238.

Василий Михайлович Звонцов. Графика. Альбом / Автор вступ. статьи М. А. Дудин. - Л., 1983.

Биобиблиографический словарь. Художники народов СССР. - Т. 4. - Кн. 1. - М., 1983. - С. 272-273.

Василий Михайлович Звонцов. Выставка произведений. Каталог. - Л., 1987.

А у нас, в Михайловском, или Домашняя история Пушкинского заповедника в письмах Семена Степановича Гейченко Василию Михайловичу Звонцову. - Псков, 2002.

Л. Г. Соснина

ПИМЕНОВ

Валерий Васильевич

(15.02.1920, г. Череповец)

Живописец, автор историко-революционных полотен, портретист, пейзажист. Народный художник России (с 1994), действительный член Российской Академии художеств. Участник республиканских, всесоюзных (с 1940), зарубежных выставок (с 1977). Кандидат искусствоведения (1955), профессор кафедры живописи и композиции

в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.

Валерий Пименов родился в 1920 г. в Череповце в семье рабочего. После окончания средней школы в 1936 г. он переехал в Ленинград, где начал свой трудовой путь на заводе полиграфических машин. Одновременно молодой человек занимался в художественной студии при Дворце культуры имени С. М. Кирова, руководили которой замечательные мастера - И. И. Бродский и М. С. Копейкин. Будучи студийцем, Пименов начал показывать свои произведения на художественных выставках, и два из них - «Встреча танкистов» и «Подвиг героя» - экспонировались на Всесоюзной выставке «Оборона СССР» (1940). В 1941 г., окончив подготовительные классы, Пименов становится студентом ленинградского Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина. В конце 1942 г. вместе с институтом он был эвакуирован в Самарканд, затем переведен в Загорск.

В период Великой Отечественной войны работал в оборонно-плакатной бригаде по заданию Западного фронта и в «Окнах ТАСС» г. Москвы. Занятия в институте возобновились лишь после войны, где его учителями стали И. Э. Грабарь и В. М. Орешников.

В 1949 г. Валерий Васильевич окончил институтский курс дипломной работой «В ставке Верховного Главнокомандования» и продолжил учебу уже в аспирантуре. За картину «Ленинское слово» молодому художнику была присуждена ученая степень кандидата искусствоведения (1955). Проявившийся уже в ранние годы интерес к историко-революционной тематике и, вне сомнения, влияние учителей определили дальнейший путь молодого мастера. В 1957 г. он пишет картину «Рабочий контроль. 1917 год», а в 1963-1965 гг. работает над композицией «Ленинцы». Применяя на практике уроки академических педагогов, Пименов тщательно собирает натурный материал, который помог ему создать достоверно убедительные образы, и среди них портреты старых большевиков - А. А. Булышкина и М. Е. Ерофеева, окруженных пионерами. Уже с первых шагов в искусстве профессионалы отмечали его замечательные успехи в живописи, рисунке и особенно в композиции. Поэтому увлеченно он работает над историческими картинами, среди которых «Перед штурмом» (1965), «Бессонные ночи Октября» и другие, экспонировавшиеся на престижных выставках Москвы и Ленинграда.

Говоря о начальном этапе творчества В. Пименова, нельзя не отметить внутреннюю, коренную связь его художественного языка с традициями отечественной школы живописи 1940-1950-х гг., опирающимися на достижения русского реализма предшествующего времени. В этот период при всех индивидуальных достоинствах В. Пименов выступал как характерная фигура своего времени. Его историко-революционные полотна невольно напоминают этапные картины его учителей - Орешникова и Грабаря, внесших вклад в «советскую Лениниану» и утверждавших свой художественный метод и принципы подхода к живописному материалу, к построению картины, основанные на «жизнеподобии».

1960-е гг. в искусстве России стали периодом отказа от сложившихся программных стереотипов. Любая эстетическая платформа, как писал один из исследователей соцреализма, сколь бы четко ни были отчеканены ее принципы, исторически преходяща и исчерпывается вместе с идеями, ее сформировавшими. И мудрость творческой личности выражается прежде всего в том, чтобы не пропустить эту смену ориентиров, не остаться на задворках художественного процесса. Конец 1960-х гг. для В. Пименова стал новым этапом, когда начало раскрываться истинное дарование его как яркого живописца, мастера пейзажа и портрета. Это вовсе не означало, что художник отказался от реалистического метода. Но перемены, происходившие в искусстве, перемещение оценочных ориентиров с «общего» на «особенное», т.е. личностное, ясно прочитываются и в творчестве В. Пименова.

Развитию его живописного дарования, без сомнения, способствовали многочисленные поездки по стране. Он посещает Север и Среднюю Азию, увлеченно работая над этюдным материалом. В эти же годы он совершает ряд зарубежных поездок, побывав в Румынии, Болгарии, Чехословакии. Особенно плодотворной стала поездка в 1965 г. на Кубу. В этюдах, привезенных с «острова свободы», доминировали пейзажи с мотивами Карибского моря, белоснежных набережных Гаваны, крестьянских хижин и дорог, уходящих в глубь плантаций сахарного тростника.

Неудивительно, что для Пименова-живописца особым событием стала поездка в Италию в 1966 г. Как многие русские мастера, посещавшие эту страну, Пименов открывает для себя красоту природы Италии. Посвящая свои пейзажи малым и большим итальянским городам и селениям, он не боится чистых незамутненных тонов, контрастных цветовых сочетаний. Быть может, именно этот новый, открывшийся в поездках мир «спровоцировал» художника на колористическую раскованность. Так или иначе, но именно этот живой материал, не связанный с привычной живописной традицией, увиденный как бы свежим глазом, утвердил позиции автора и открыл новые горизонты его творчества.

Следующие три года (1968-1970) В. Пименов проводит в Камбодже, куда был командирован Министерством культуры СССР в качестве профессора Королевского университета искусств. Здесь он увлеченно работает не только как педагог, но и как художник-пейзажист. Среди камбоджийских пейзажей особенно выделяются циклы, посвященные древним памятникам культуры кхмеров и современной жизни страны. Храмы Ангкора X-ХШ вв., затерянные в джунглях, поражают воображение зрителя своей особенной загадочной красотой. Но художник отказывается от соблазна досконально передать все детали этой необычной архитектуры. Главным выразительным средством для создания образа он избирает колорит («Храм Байон», «Вход в Байон»). На берегах Меконга и Босака Пименов пишет рыбацкие дома на высоких сваях, плавучие поселения на воде. Своеобразию быта и природы этой страны художник посвящает картину «Вьетнамские рыбаки» (1969). По впечатлениям пребывания в Пномпене им был написан и один из лучших портретов этого времени «Портрет индийской учительницы» (1969).

В 1970-е гг. продолжаются поездки по Европе. Он посещает Францию, Германию, Венгрию, Голландию. С еще большим желанием ездит по родной стране. В эти годы появляются произведения художника, посвященные Ленинграду. Среди них пейзажные мотивы с известными памятниками архитектуры и портреты деятелей культуры (О. Ф. Берггольц, В. И. Стржельчика, И. П. Владимирова). В 1971 г. достижения В. Пименова были высоко оценены, ему было присвоено звание заслуженного художника РСФСР, а в 1994 г. - народного художника России.

Обязательным элементом творческой деятельности В. В. Пименова является преподавательская работа в Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (начиная с 1950), где он занимает должность профессора кафедры живописи и композиции (с 1971). Часто, теперь уже в сопровождении учеников, приезжает он и на родину, в Череповец. Здесь в Череповецком музейном объединении устраивалась не одна персональная выставка мастера, достойно представлено его творчество в музейных коллекциях города.

Литература

Выставка произведений ленинградских художников-земляков Вологодчины. Каталог. - Л., 1977. - С. 12-13.

Валерий Васильевич Пименов. Выставка произведений / Составитель каталога Г. Г. Макаров. - Л., 1983.

Пименов В. В. Каталог / Автор-составитель Н. Г. Моисеева. - СПб., 1999.

А. Г. Соснина

КОРБАКОВ

Владимир Николаевич

(5.06.1922, д. Казариново, Сокольский р-н)

Живописец, график. Заслуженный художник России (1972), народный художник Российской Федерации (1998), член-корреспондент Российской Академии художеств (2001). Член Союза художников Российской Федерации (с 1959), возглавлял Вологодскую областную организацию (1964-1977), был членом правления Союза художников РСФСР.

Ветеран Великой Отечественной войны, почетный гражданин города Вологды (1997). В Вологде открыт музейно-творческий центр «Дом Корбакова», коллекция которого составлена из произведений автора, переданных в дар родному городу (2002).

Биография Владимира Николаевича Корбакова начиналась обычно

Босоногое детство в деревне Казариново Сокольского района Вологодское области, где он родился 5 июня 1922 г. Затем - переезд семьи в Вологду

В школьные годы по примеру старшего брата Ивана Владимир потянулся к рисованию. Жизнь была не простой, после семилетки пришлось поработать слесарем, потом штурвальным на сухонских пароходах, куда устроил его отец, бывший балтийский матрос.

Осенью 1941 г. он ушел добровольцем на фронт. Участвовал в боях под Москвой, был тяжело ранен, после госпиталя вернулся в строй - матросом в Беломорскую флотилию.

С осени 1945 г. Владимир Корбаков становится учеником Московского художественного училища инвалидов Великой Отечественной войны. Уроки замечательных педагогов - К. Ф. Юона, К. А. Дорохова, Г. И. Цейтлина, Г. А. Сретенского, книги, выставки, споры об искусстве помогали забыть неустроенность послевоенных студенческих лет. Свою разбитую на фронте правую руку художник разработал волевой тренировкой. В 1951 г. он уже студент Московского художественного института им. В. И. Сурикова (закончил в 1958).

Годы учебы в институте совпали с началом больших перемен в общественной жизни страны. Изучение классики национальной культуры - наследия В. И. Сурикова, М. А. Врубеля, П. П. Кончаловского, восхищение импрессионистами и древнерусским искусством у Корбакова, как и его сверстников Т. Т. Салахова, М. А. Савицкого, носил принципиальный характер.

Вместо официальных картин, заполнявших выставки тех лет, поколение фронтовиков утверждало своим творчеством внешнюю простоту, красоту обыденной жизни и воспевало человека-труженика, живущего на своей земле.

Уже в годы учебы Корбаков - неизменный участник московских молодежных выставок, а в 1957 г. во время Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве он активно работает в международной студии молодых художников. В эти годы раскрывается и колористический дар художника.

Осенью 1958 г. Владимир Николаевич вернулся в Вологду, чтобы не покидать ее уже никогда. Новому поколению вологодских художников, лидером которых стал Корбаков, было суждено изменить художественную жизнь города. Его живопись стала поистине поворотной для искусства края, открыв зрителю поэзию и значение цвета, фактуры как одного из основных элементов в создании образа. Живопись для Корбакова, по выражению его друга, искусствоведа и художника Л. Ф. Дьяконицына, - «нетерпеливое, взволнованное познание мира, азартная борьба с белой немотой холста, пока не разгорится и не зазвучит на нем красочная симфония». Уже с первых лет работы в Вологде ярко проявляется его деятельная, жадная на впечатления натура. Корбаков - постоянный участник творческих поездок по области и стране, он один из организаторов творческой «череповецкой» группы художников, объединивших в своих рядах мастеров из разных уголков страны. На протяжении многих лет он - бессменный председатель правления областной организации художников, член правления Союза художников России.

Художественная критика тех лет основным призванием Корбакова как живописца считала пейзаж и натюрморт. И это не случайно, ведь сила его реалистических произведений - в живом общении с натурой. Наряду с лирическим пейзажем, который получил широкое развитие в творчестве вологодских художников, Корбаков обратился к пейзажу эмоционально-экспрессивному, раскрывающему нерв времени. Он спешил запечатлеть уходящую Вологду с ее деревянными особнячками, украшенными, как сказочные теремки, резьбой наличников, балкончиками и башенками. И не случайно в монументальном полотне «Вологда. Серый день» (1980) свинцовые тучи, нависшие над вологодскими храмами, повествуют не столько об осеннем ненастье, сколько побуждают к тревожным размышлениям о нашей настоящей жизни.

Одним из первых вологодских художников Корбаков обратился к пейзажу индустриальному. Как бы мы сегодня ни относились к этой теме, она была и остается реальной страницей в истории искусства страны. И вновь эмоциональность, открытость и азарт живописца Корбакова заставляют искренно звучать полотна, обращенные, казалась бы, к лишенным живописности мотивам.

На протяжении всех лет творчества Владимир Николаевич работал в жанре портрета и автопортрета, но наиболее ярко его талант портретиста раскрылся в 1990-е гг. Именно в это время художник ставит перед собой задачу написать в лицах историю родного края. Именно тогда и появляются серии портретов фронтовиков, представителей художественной интеллигенции города и другие. В лучших из них Корбаков, опираясь на традиции русской портретной живописи XK и XX вв., ярко и эмоционально раскрывает характер современника. К таким можно отнести портреты поэта Александра Яшина и георгиевского кавалера Александра Брагина, актрисы Любови Филипповой и журналиста Татьяны Файнберг. Но более всего остроту времени, тревоги и надежды дня сегодняшнего выражают автопортреты мастера. От ранних интимно-психологических изображений он приходит к портрету-картине, насыщая и расширяя тем самым диапазон этого жанра. Поистине этапными в творчестве художника стали «Автопортрет на лошади» (1983) и «Свободный полет над Вологдой» (2001). Разделенные двумя десятилетиями, они выражают эмоциональное и духовное состояние автора. В обоих случаях это не только рассказ о себе, а размышления о судьбах и задачах творчества, об отказе от внешнего благополучия ради великой цели - служению искусству.

Почетный гражданин Вологды (с 1997), народный художник РФ (с 1998), член-корреспондент Российской академии художеств (с 2001), В. Н. Корбаков и сегодня остается лидером в художественной жизни города. Признанием мастерства живописца стало открытие в Вологде в 2002 г. музейно-творческого центра «Дом Корбакова» - филиала Вологодской областной картинной галереи, где демонстрируются живописные и графические произведения художника, переданные им в дар своему городу. В залах центра экспонируются не только работы самого мастера (серия картин «Дар любимому городу»), но и коллекция «Меня рисуют друзья», проходят выставки современных российских художников.

Литература

Воронова О. А. Художники Вологды. - Л. , 1979.

Владимир Корбаков. Избранное. Альбом /Автор-составитель Воропанов В. В. - Вологда, 1997.

Владимир Корбаков. Мои современники. Альбом /Автор-составитель Воропанов В. В. - Вологда, 1998.

Владимир Корбаков. Моя Вологда. Альбом /Автор-составитель Воропанов В. В. - Вологда, 2000.

Музейно-творческий центр «Дом Корбакова». Буклет / Автор-составитель Беляева С. М., Воропанов В. В., Субботин М. А. - Вологда, 2003.

Л. Г. Соснина

СЕМЕНОВ

Алексей Васильевич

(28.03.1927, г. Оренбург - 12.04.2001, г. Вологда)

Актер театра, народный артист РСФСР

Родился в Оренбурге в семье служащих. По отцовской линии Алексей Васильевич - потомок оренбургских казаков. Мать работала в милиции, имела звание капитана, награждена орденами Красной Звезды и Красного Знамени.

Сценическую деятельность Алексей Семенов начал четырнадцатилетним подростком как актер миманса в Пермском оперном театре, который гастролировал перед войной в Оренбурге. Годы профессионального обучения пришлись на время Великой Отечественной войны. Семенов становится учеником балетной группы Ленинградского Малого театра оперы и балета, эвакуированного в Оренбург. Но из-за болезни он не может продолжать занятия хореографией и на короткое время устраивается артистом кордебалета и хора в Оренбургский театр оперетты. В 1943 г. Семенов поступает в студию при Оренбургском драматическом театре, в труппу которого его принимают еще в студенческие годы. Сюда же актер возвращается в 1957 г. после работы в Березниковском драматическом театре и других театрах Пермской области.

С I960 г. Алексей Семенов живет и работает в Вологде. Актер так определил значение этого города в своей судьбе: «Вологда оказалась притягательной для меня своей духовной атмосферой. Богатые театральные традиции, интересная литературная жизнь, творчество самобытных художников. Совершенно особые люди. Вологда для меня стала городом, в котором получаешь больше, чем отдаешь, как ни старался отдавать все больше и больше» (Красный Север. 1985. 15 января).

За многолетнюю творческую жизнь Алексей Семенов сыграл более 200 ролей, как режиссер поставил около 60 спектаклей. В первые годы актерской деятельности на вологодской сцене Семенов создал целую галерею образов молодых современников: Сергей («Иркутская история» А. Арбузова), Герман («Проводы белых ночей» В. Пановой), Платонов («Океан» А. Штейна). Этапной ролью этого периода стал образ Марка Волохова в спектакле по роману И. Гончарова «Обрыв». Выигрышные внешние данные, романтическая приподнятость актерского исполнения способствовали быстрому успеху у вологодского зрителя. В 1968 г. Алексею Семенову было присвоено звание заслуженного артиста РСФСР.

В 1970-е гг. в репертуар актера входят такие разноплановые роли, как Шадрин («Человек с ружьем» Н. Погодина), Мытников («Долгожданный» А. Салынского), Шебек («Потерянный рай» И. Шаркади), крестьянин Михалыч («Черемуха» В. Астафьева), Распутин («Заговор императрицы» А. Толстого), Филипп II («Дон Карлос» Ф. Шиллера). За роль Филиппа II актер был награжден дипломом фестиваля драматургии ГДР в СССР.

В 1977 г. Семенов получил звание народного артиста РСФСР.

С глубиной и убедительностью зрелого мастерства актер в 1980-е - 1990-е гг. создает образы Кэбота («Любовь под вязами» Ю. О'Нила), Мурова («Без вины виноватые» А. Островского), Молокова («На золотом дне» Дм. Мамина-Сибиряка), судьи Шеллоу («Виндзорские проказницы» В. Шекспира). 1990-е гг. также отмечены в судьбе актера появлением ролей, в которых он утверждал мудрое, несуетное отношение к жизни и ценность душевных привязанностей: профессор Окаемов в «Машеньке» А. Афиногенова, Балясников в «Сказках старого Арбата» А Арбузова, Фирс в «Вишневом саде» А Чехова.

В разные периоды творчества актеру довелось сыграть ряд ролей исторического плана, персонажей, обладающих сильными характерами, одержимых идеей социального переустройства (Сергей Лазо, Пугачев, Ермак, Чапаев, Дзержинский, Сталин). Наряду с ними в репертуаре Семенова присутствовали образы людей из народа, усилиями которых вершилась история: Семен Котко («Шел солдат с фронта» В. Катаева), Роман Бастрыков («Отец и сын» Г. Маркова), Нил («Мещане» М. Горького).

Большое количество ролей актер сыграл в пьесах А. Островского: «Бедность не порок», «Светит, да не греет», «Не было ни гроша, да вдруг алтын», «Гроза», «Бешеные деньги», «Василиса Мелентьева», «Женитьба Белугина». В комедии «На всякого мудреца довольно простоты» в молодости он выступил в роли Глумова, в пору творческой зрелости создал образ Крутицкого.

Как режиссер Семенов также обращался к пьесам А. Островского («На бойком месте», «Без вины виноватые»); ставил он и произведения современных авторов («Проводы белых ночей» В. Пановой, «Порог» A. Дударева), в том числе и пьесы известного вологодского писателя B. Белова «По 206-й», «Кашей бессмертный». Но, как признавался Семенов в многочисленных интервью, он особенно любил работать над спектаклями для детей. Из его постановок для маленьких зрителей можно составить богатую репертуарную афишу: «Кот в сапогах» Г. Калау, «Два клена» Е. Шварца, «Зайка-зазнайка» С. Михалкова, «Белоснежка и семь гномов» Л. Устинова, «Бедный рыцарь» П. Хакса (этот спектакль был награжден дипломом фестиваля драматургии ГДР в СССР).

Ряд актерских премий Семенов получил на международном фестивале «Голоса истории», который проводится в Вологде с 1991 г. Жюри фестиваля отметило такие работы актера, как боярин Морозов («Князь Серебряный» по А. К. Толстому), Владыко (в пьесе вологодского писателя С. Алексеева «Казнить нельзя помиловать»), Ярослав Мудрый в одноименном произведении И. Кочерги.

Алексей Васильевич Семенов вел большую общественную работу. Он избирался депутатом городского Совета, с 1978 по 2001 г. был председателем Вологодского отделения Всероссийского театрального общества (ВТО, ныне Союз театральных деятелей России - СТД), режиссировал городские театрализованные праздники. Алексею Семенову было присуждено звание «Почетный гражданин города Вологды». Он был награжден орденом Трудового Красного Знамени, орденом Почета и четырьмя медалями.

В 2001 г. оргкомитет фестиваля «Голоса истории» учредил специальную премию фестиваля имени народного артиста России А. В. Семенова, а Вологодское отделение СТД учредило премию имени народного артиста России А. В. Семенова «Лучшая мужская роль года», которая ежегодно вручается в Международный день театра одному из вологодских актеров. Имя Алексея Семенова присвоено вологодскому Дому актера (2001).

Литература

Капинус Н. Сыграть судьбу // Театральная жизнь. - 1981. - № 12. - С. 16-17.

Алексей Семенов: Буклет. - Вологда, 1997.

С. Патапенко

КАЮРОВ

Юрий Иванович

(30.09.1927, г. Череповец)

Актер театра и кино, народный артист РСФСР,

лауреат Государственной премии РСФСР, Государственных премий СССР.

Родился в г. Череповце Вологодской области в семье советского служащего. Его родители, Иван Дмитриевич и Ольга Алексеевна, были родом из крестьян, чьи предки давно обосновались на Русском Севере. В 1937 г. отца Каюрова арестовали. Два года Иван Дмитриевич провел в бывшем Тихвинском монастыре, приспособленном под тюрьму. В начале Великой Отечественной войны он ушел в народное ополчение и вскоре погиб. Семью в первые дни войны Иван Дмитриевич отправил к себе на родину, в деревню Чуриново Белозерского района Вологодской области.

Юрий, став старшим мужчиной в семье, решает не заканчивать 7-й класс и поступает в ремесленное училище Белозерска, которое потом переводят в Вологду. Производственное обучение он проходит на вологодском заводе «Северный коммунар». В 1944 г. Юрий Каюров получает специальность токаря 5-го разряда и по распределению начинает работать на ленинградском заводе «Вулкан». Но желание попасть на фронт привело юношу в Куйбышевское подготовительное военно-морское авиационное училище. В 1949 г. Каюров закончил военно-морскую службу в Ленинграде на легендарном крейсере «Аврора».

Во время увольнительных он посещал театральную студию при Доме культуры им. С. М. Кирова, которой руководили известный артист В. Меркурьев и его жена И. Мейерхольд, дочь знаменитого режиссера. Занятия в студии коренным образом повлияли на дальнейшую судьбу Юрия Каюрова. После демобилизации он подал документы в Ленинградский театральный институт имени А. Островского (затем Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии (ЛГИТМИК), ныне Санкт-Петербургская государственная академия театрального искусства (СПГАТИ). На актерский факультет Каюрова приняли сразу на второй курс в класс профессора Е. Тиме, ведущей актрисы театра имени А. С. Пушкина (ныне Александрийский), и профессора И. Серебрякова.

После окончания института в 1952 г. актер был приглашен в труппу Саратовского драматического театра, где проработал 15 лет. В это время он играл преимущественно в пьесах современных авторов (Ведерников и Марат в драмах А. Арбузова «Годы странствий» и «Мой бедный Марат», Алексей в «Оптимистической трагедии» Вс. Вишневского, Часовников в «Океане» А. Штейна), а также роли классического репертуара («Незнамов и Карандышев в пьесах А. Островского «Без вины виноватые» и «Бесприданница», Михаил Зыков в «Зыковых» М. Горького).

С 1967 г. по сегодняшний день Юрий Иванович Каюров работает на одной из старейших сцен страны - в Малом театре. Его профессиональная деятельность в этом коллективе доказала возможность взаимообогащения и органичного слияния идей петербургской театральной школы и сценических традиций дома Островского. Бытовая точность исполнения сочетается у Каюрова с психологической неоднозначностью характеристик сценических персонажей, интеллектуальной энергией и выверенностью внешнего рисунка ролей.

В Малом театре Юрий Каюров создал целую галерею классических образов. Дебютной ролью этого плана стал Васильков из комедии А. Островского «Бешеные деньги», сыгранный актером в трагическом ключе.

Театральная критика конца 1960-х гг. увидела в этой работе новую страницу в истории прочтения образа известного персонажа. В 1970-е - начале 1980-х гг. из пьес Островского в репертуар артиста вошли также роли Кулигина в «Грозе» и Лупачева в пьесе «Красавец-мужчина», появились горьковские герои: Рябинин («Достигаев и другие»), Строгов «Фальшивая монета», Маякин («Фома Гордеев»), Антипа Зыков («Зыковы»). Конец 1980-х - 1990-е гг. отмечены чеховской ролью профессора Серебрякова в спектаклях «Леший» и «Дядя Ваня», а также работой над образом Старика в инсценировке романа «Воскресение» Л. Толстого. Среди ролей в произведениях советских авторов, сыгранных актером в Малом театре, выделяются такие, как капитан Сафонов («Русские люди» К. Симонова), Пальчиков («Вечерний свет» А. Арбузова), художник Васильев в инсценировке романа Ю. Бондарева «Берег».

С 1961 г. Юрий Иванович Каюров активно снимается в кино. Его первый фильм «В начале века», в котором он сыграл молодого Ульянова-Ленина, на многие годы определил творческую судьбу актера. После удачного кинодебюта Каюров снимается в той же роли в телевизионном фильме «Сквозь ледяную мглу» (1965), затем приглашения подобного рода следуют одно за другим. Актер установил своеобразный рекорд советской ленинианы, сыграв роль Ильича в разные периоды его политической деятельности в семнадцати фильмах. Самые известные из них - «Шестое июля», «Исход» (оба - в 1968), «Кремлевские куранты», «Почтовый роман» (оба - в 1970), «Посланники вечности» (1971), «Ленин в Париже» (1981). Образу Ленина Юрий Каюров придал интеллектуальную напряженность, актер акцентировал постоянную работу мысли этого исторического деятеля, его умение влиять на людей.

Работа над образом одного и того же персонажа в течение 20 лет не помешала Каюрову создать запоминающиеся роли в фильмах «Пропавшая экспедиция», «Пламя» (оба - в 1975). «Золотая речка» (1977), «Строгая мужская жизнь» (1978), «Вдовы» (1978), «Моя Анфиса» (1979), «Белый снег России» (1980), «Ночное происшествие» (1981). В 1990-е гг. он снимается в фильмах «Долгие проводы», «Романовы». Актер также играл в телевизионный лентах: «Инженер Прончатов», «И это все о нем», «Главный конструктор», «Взятка», «Петербургские тайны».

В 1979 г. Юрию Ивановичу Каюрову было присвоено звание народного артиста РСФСР, дважды ему присуждалась Государственная премия СССР (1978, 1983), в 1984 г. актер стал лауреатом Государственной премии РСФСР имени К. Станиславского. Каюров награжден орденами Трудового Красного Знамени (1971), Дружбы народов (1974), Октябрьской Революции (1987), Почета (1998).

Живет и работает в Москве.

Литература

Кто есть кто в России и ближнем зарубежье: Справочник. - М., 1993. - С. 298.

Раззаков Ф. Досье на звезд. - М., 1998. - С. 640-641.

С. Патапенко

ЕЛЬФИНА-ПАНТЕЛЕЕВА

Виктория Николаевна

(3.11.1930, пос. Кузьминки, Ухтомский р-н, Московская обл. - 22.06.1998, г. Вологда)

Художник декоративно-прикладного искусства. Участница Всероссийских художественных выставок, ее произведения были представлены на Всемирных выставках в Брюсселе (1958), Монреале (1967), Осаке (1970). С 1973 г. возглавляла творческую лабораторию кружевного объединения «Снежинка». Лауреат Государственной премии РСФСР имени И. Е. Репина (1968), заслуженный художник РСФСР (1975).

Для многих талантливых людей Вологодская земля стала второй родиной, тем местом, где проявились и утвердились они как творческие личности. Одной из них была и Виктория Ельфина. Она родилась 3 ноября 1930 г. в поселке Кузьминки Ухтомского района Московской области. Закончила Московское художественно-промышленное училище имени М. И. Калинина (1947-1952) и, получив диплом «художника по кружеву», по распределению приехала в село Новленское Кубеноозерского района Вологодской области. С этого времени начинается ее творческий путь, связанный со всемирно известным вологодским кружевом.

Спустя десятилетия Виктория Николаевна уже не мыслила своей жизни без Вологды и кружевного промысла, да и вологодское кружево с конца 1950-х до 1990-х гг. нельзя представить без работ этого мастера. Не случайно одно из уникальных ее произведений - скатерть «Снежинка», выплетенная по эскизам автора в 1959 г., стала визитной карточкой всего промысла, а вологодское объединение кружевниц с 1968 г. носит название «Снежинка». Само название обусловило форму и набор декоративных элементов этого произведения. Четыре месяца шла работа над сколками, т. е. разметкой будущего изделия. Еще два месяца двадцать пять кружевниц выплетали отдельные элементы скатерти, которые сама Виктория Николаевна почти столько же времени сводила в единое целое.

В течение двадцати лет (с 1953) В. Н. Ельфина работала художником в Вологодском кружевном объединении, а в 1973 г. возглавила его творческую лабораторию.

За эти годы ею создано более шестисот работ, среди которых мерные кружева, элементы женской одежды и изделия для домашнего обихода (воротнички, косынки, скатерти), декоративные панно и уникальные выставочные экспонаты. «Дарование Ельфинои - смелое, - пишет исследователь русского плетеного кружева В. А. Фалеева, - ей свойственны размах и сила, которые проявляются даже в небольших изделиях. Творческая активность художницы просто удивительна». Наверное, самой яркой и основной чертой ее почерка было соединение классических традиций вологодского кружева с новыми формами, отражающими новое время.

Так, излюбленный в кружеве цветочный узор постепенно из чисто орнаментального элемента переходит в главный элемент сюжета уникальных выставочных произведений Ельфинои. К таким можно отнести панно «Весна», скатерти «Вьюнок» и «Цветение», выполненные по ее эскизам в 1970-е гг. Но одним из лучших воплощений темы природы и ее вечного обновления можно считать панно «Поющее дерево» (1978). В прямоугольную вертикальную композицию вписано большое цветущее дерево с сильным стройным стволом. Его симметричные разного рисунка ветви украшены причудливыми цветами-розетками. На каждой ветке сидит птица, причем ни одна из них не повторяет по форме и пластике другую. Чувство радости, впечатление полнокровного, даже несколько преувеличенного роста и цветения создается обилием цветочных форм. И в то же время крупные элементы орнамента прекрасно читаются на сложном, фактурно разработанном фоне.

Очарование этого сказочного и поэтического произведения было отмечено сразу.

Для вологодского промысла 1960-1970-х гг., как, впрочем, и для всего отечественного кружева этого времени, характерно появление тем, связанных с народными праздниками, обычаями, фольклором и образами, заимствованными из других видов народного прикладного искусства. Эти черты прослеживаются в таких работах художницы, как панно «Весна», скатерть «Чаепитие», где введение цветной нити вызывает в памяти зрителя мотивы народной вышивки.

Ельфина много экспериментировала с цветом в кружевах, разрабатывала новые узоры фонов и орнамента. Среди множества исполненных ею бытовых изделий (дорожек, воротничков) не найти двух одинаковых. Они различны и по форме, и по мотиву, и по способу плетения. Глядя на ее работы, чувствуешь, что художница знала приемы и брюссельского, и венецианского кружевоплетения, но превыше всего ценила отечественные традиции.

Поистине грандиозной работой творческого коллектива вологодских кружевниц под руководством В. Н. Ельфиной стало панно «Россия» (1977). Оно выполнено в соавторстве с В. Д. Веселовой, Г. Н. Мамровской и А. Н. Ракчеевой. Его размеры - 5x3 метра - огромны для кружевного изделия. При такой величине потребовался и особый материал. Оно сплетено из нити маккей, эластичной, слегка блестящей и очень прочной. Россию олицетворяет стилизованная монументальная женская фигура в сарафане, расположенная строго по центру композиции. В ней все условно: гордо поднятая голова - розетка цветка; руки - изогнутые цветущие ветки. В цветочный орнамент органично вплетена государственная символика, ведь и сама женская фигура - символ, да и остальные детали композиции работают на объяснение замысла кружевниц. Панно «Россия» встречало посетителей выставки народного искусства на ВДНХ, оно украшало и юбилейную выставку произведений Виктории Николаевны в Вологде, которая проходила в залах областной картинной галереи в 1990 г.

В 1968 г. В. Н. Ельфина стала лауреатом Государственной премии РСФСР имени И. Е. Репина, а в 1975 г. за высокие творческие достижения получила звание заслуженного художника РСФСР.

После смерти мастера (Виктория Николаевна умерла в 1998 г. в Вологде) ее произведения постоянно участвуют в крупнейших выставках декоративно-прикладного искусства как у нас в стране, так и за рубежом. Заслуга В. Н. Ельфиной и в том, что она смогла собрать и сплотить возле себя прекрасный коллектив единомышленников и высоких профессионалов. Им было суждено продолжить дело, начатое поколением новаторов и исследователей, к которому принадлежала Виктория Ельфина.

Литература

Фалеева В. А. Русское плетеное кружево. - Л., 1983. - С. 268-284, 300.

Воронова О. П. Художники Вологды. - Л., 1979. - С. 148-150.

Виктория Ельфина. Вологодское кружево. Каталог. - М., 1990.

Искусство земли Вологодской XIII-XX веков. Каталог выставки. - М., 1990. - С. 53-54, 228, 232.

Вороно М. Осмысление традиций // Художник. - 1991. - № 11. - С. 36-39.

Л. Г. Соснина

ТУТУНДЖАН

Джанна Таджатовна

(22. 09. 1931, г. Москва)

Живописец, график. Заслуженный художник РСФСР (1972), народный художник РФ (2004). Член Союза художников СССР (1964). Живет и работает в Вологде с 1959 г. Участник выставок с 1959 г. Автор тематических картин и графических серий, посвященных женщинам вологодской деревни. Звание народного художника Российской Федерации было присвоено Джанне Таджатовне Тутунджан лишь в 2004 г. Но поистине народная любовь и уважение сопровождают ее произведения на протяжении всех лет творческой деятельности.

Джанна Тутунджан родилась в Москве 22 сентября 1931 г. Закончила среднюю художественную школу, а затем Московский художественный институт имени В. И. Сурикова (1959). Училась в мастерской М. М. Черемных и Н. А. Пономарева, избрав для дипломной работы монументальный образ Родины-Матери в технике флорентийской мозаики.

После окончания института в том же 1959 г. уехала на родину мужа, Николая Владимировича Баскакова, и ни разу впоследствии не пожалела об этом. В одной из поездок по области присмотрели они себе деревенский дом на берегу Сухоны, и с этих пор деревня Сергиевская, затерянная в лесах Тарногского района, стала источником тем и образов графического и живописного творчества Тутунджан. Ведь именно здесь, на Вологодской земле, нашла она своих героев, определила для себя главную цель творчества - поведать миру о простых и прекрасных людях, сохраняющих в душах и сердцах своих самые лучшие и светлые качества народного характера. Таких людей встречала она в вологодской глубинке, эти люди окружали ее в Сергиевской.

Постепенно путевые рисунки и этюды обрастали плотью размышлений, превращаясь в обобщенные, философски мудрые картины и портреты. Пожалуй, ни один из вологодских художников так емко и глубоко не изобразил судьбу русского вологодского крестьянства, как это сделала Тутунджан. Ее дар художника-монументалиста и человеческая сердечная чуткость соединились, чтоб через образы деревенских женщин, девочек, старух поведать миру о духовной красоте, мудрости и стойкости народного характера.

Этой теме были посвящены ее «Сергиевские листы» - откровенные и сокровенные рисунки, которыми Тутунджан взволнованно вошла в вологодское искусство. «Про хлеб, про соль», «Сама себе хозяйка» - героини ее графических произведений сродни литературным образам Василия Белова, Александра Романова, Ольги Фокиной, в творчестве которых деревенская тема нашла свое особое выражение. И удивительно, вологодские писатели и поэты - «деревенщики» приняли и поняли ее, москвичку с армянской фамилией, признав в ней родную душу. Главным выразительным достоинством графики Тутунджан стал лаконичный реалистический рисунок. Поданные крупным планом женские лица, изборожденные морщинами, заглядывали в душу зрителя своими умными, все понимающими глазами, как будто искали в них поддержки, а на самом деле просто рассказывали о своей судьбе. Постепенно для расширения сюжетной линии рисунков, их смыслового обогащения Джанна Таджатовна намеренно начала вводить в них текстовое дополнение. Как человек творческий, обладающий к тому же литературными способностями, она использовала «слово» не только как элемент текста, но и как изобразительный элемент. Так появились ее знаменитые диалоги «По правде, по совести», поражающие нас живостью бытовой зарисовки и яркой фольклорной выразительностью своих текстов. Испугавшись их откровенной правдивости и двойной силы воздействия - изобразительной и литературной, чиновники от искусства на одной из выставок вологодской графики в Ленинграде в начале 1980-х гг. настоятельно попросили убрать их из экспозиции.

Когда художнице задают вопрос о том, что ближе ей как творцу: живопись или графика - она отвечает: «Графика - мои корни, живопись - крона». В арсенале большого художника все средства гармонично едины и подчинены одной цели - творчеству. У Тутунджан мы можем говорить о графичности живописных произведений и о наполненности живописными ассоциациями ее графических композиций. Графический элемент выразительного силуэта всегда дополнен символикой живописного цветового пятна. Так, мягкий красный цвет в одном случае символизирует жизнь и тепло домашнего очага («Гори ясно»); в другом, контрастируя с черным, загорается пламенем пожара («Пожар»). И вместе с этим в каждой картине художника подчеркнута живая связь с натурой. Она пишет современных людей и современную жизнь. Практически каждое этапное полотно Ту-тунджан по глубине замысла и лаконизму выразительной формы - это социальный жанр, где частный мотив перерастает в обобщенный образ-символ. «Незабудки» (1969) и «Гори ясно» (1976), «Пожар»(1991), «Вольному - воля» (1996) и «Берегиня» (2001) - картины одной темы, хотя созданы в разные годы и разделены десятилетиями. Начатый еще в самом начале творческого пути диалог художницы  со  зрителем о смысле жизни человеческой продолжается и сейчас.

Наверное, самые животрепещущие вопросы современной жизни сосредоточены в «деревенских» работах Тутунджан. Ее любимые героини, пережив войны и революции, не растеряли самого главного - веры и надежды. Именно они, эти крестьянки со сложенными на коленях руками, в окружении старых и новых семейных фотографий, и являются «корнем рода» человеческого, его «надёжей». Ведь не случайно символом возрождения русской деревни, а значит и земли, в картинах Тутунджан является деревенская женщина, окруженная детьми и не боящаяся взять на себя роль «Берегини».

Выразительные средства, которые использует в своих живописных произведениях художница, невольно отсылают нашу память к русской иконописи. «Фресковым» называли многие исследователи язык ее монументальных картин, и сама Тутунджан использует в них притчу как сюжетную канву. Ее деревенские герои сродни средневековым святым и мученикам, только не легендарным, а живущим сегодня на нашей земле. Да и названиями своих картин она «будит» нашу национальную память: «Несущий свой крест», «Матушка царица небесная», «Троица», «Всевидящее око»...

«По правде и по совести» художница ведет диалог со зрителем практически в каждой своей работе. В жанре портрета она обращается к людям хорошо знакомым и любимым, проповедуя и утверждая через них идеал духовной красоты и богатства. Наверное, потому ее портретные образы романтичны и лишены бытовизма, а цвет и изобразительные детали помогают раскрыть главное, что ценит она в их характере: творческий порыв, увлеченность, преданность.

Выставки Джанны Таджатовны обычно собирают самую большую аудиторию. В чем же феномен популярности произведений Тутунджан у публики? Конечно, не только в сюжетной основе ее картин, близкой и понятной людям, живущим в провинции, но ив эстетике их пластического языка, близкого этическим и эстетическим традициям русской народной культуры.

Литература

Белов В. И. Постижение // Литературная Россия. - 1969. - 7 ноября.

Герчук И. Тихая графика // Творчество. - 1971. - № 1.

Голенький Г. Познанье сути бытия // Художник. - 1977. - № 1.

Воронова О. А. Художники Вологды. - Л., 1979.

Романов А. А. Правда Джанны Тутунджан // Искры памяти. - Вологда, 1995.

Джанна Тутунджан. Родниковая страна. Альбом-каталог юбилейной выставки /Автор-составитель Дементьева Г. В. - Вологда, 2001.

Л. Г. Соснина

«Как художник я родилась в Вологде. Как гражданин - в Москве. Как человек, я родилась и живу на Земле, и мне не все равно, какая она и что с ней будет».

Д. Т. Тутунджан

«Дело для художника, видимо, не в том, где жить. Дело в том, чем и как жить,  чьими болеть болями,  чьими радоваться радостями».

В. И. Белов - о первой персональной выставке Д. Тутунджан.

ГАВРИЛИН

Валерий Александрович

(17.08.1939, г. Вологда - 28.01.1999, г. Санкт-Петербург)

Композитор, народный артист РСФСР,

лауреат Государственных премий РСФСР и СССР

Жизнеописания крупных композиторов часто совпадают многими сторонами и обстоятельствами: музыкальная семья, раннее приобщение к занятиям музыкой, активная творческая деятельность в кругу соратников по профессии, постепенное становление индивидуального стиля, успех, признание, слава. Жизнь Гаврилина - композитора, занявшего заметное место в русской музыке последних десятилетий XX века и продолжающего завоевывать любовь все более широких слоев публики в нашей стране и за рубежом, - резко отличается от этой схемы, но в то же время очень характерна для советской действительности второй половины века.

Он родился в Вологде 17 августа 1939 г. Его мать, Клавдия Михайловна Гаврилина, - по профессии учитель; отец, Александр Павлович Белов, был заведующим райотделом народного образования в г. Соколе. Вскоре началась война, отец ушел на фронт и погиб под Ленинградом. До войны Валерий с матерью жили в Кадникове, где Клавдия Михайловна была директором детского дома. В 1941 г. они переехали в деревню Перхурьево, а через дорогу - в селе Воздвиженье - находился детский дом, директором которого стала К. М. Гаврилина. Хлопотные обязанности не позволяли ей отдаваться воспитанию детей, и этот труд выпал на долю крестной матери - няни Аскалиады Алексеевны Кондратьевой. Там же, в селе Воздвиженье, находилась и школа, в которой начал учиться Валерий. Ничего похожего на благополучную семью, в которой ухоженный ребенок сызмальства занимается тем делом, которое впоследствии станет его профессией, не было и в помине.

Время было жесткое, военное. Композитор потом вспоминал, как встречали Воздвиженские женщины Рождество: «пекли пироги из крапивы, лебеды и чего-то еще, и картошка какая есть, гнилая даже была», а вместо масла растопили восковые свечи: «масла-то не было». И все же многое из деревенского быта запало в цепкую детскую память, и, конечно, прежде всего это были музыкальные впечатления, их было много. Уже в зрелом возрасте Гаврилин написал: «Я ведь сочиняю и живу только тем, чем я напитался, будучи в детстве в своем родном крае. Это все во мне живет, это все во мне сидит». Он мечтал стать гармонистом - почитаемым в деревне человеком. Однако, как вспоминал композитор, «мама считала это занятие недостойным приличного человека». То есть ни о каком поощрении занятий музыкой не было и речи. Мать хотела видеть его ветеринаром или математиком.

Окончание войны не принесло облегчения: в 1950 г. по навету арестовали мать, а 11-летнего Валерия отправили в Октябрьский детский дом в Вологде. Дом был, судя по всему, один из лучших - и по оборудованию, и по отношению к воспитанникам. Это видно и по тому, что В. Гаврилин потом напишет: «Жизнь в детдоме - лучшая система воспитания ребенка, т.к. положительный характер человека всегда воспитывается делом и никогда - праздным времяпрепровождением». Этот дом дал будущему композитору и первоначальный импульс к постоянным музыкальным занятиям: в нем были и хор, и оркестр народных инструментов, и даже хореографический кружок. Он играл в оркестре, пел в хоре, и именно там его увидела Т. Д. Томашевская - пианистка и преподаватель детской музыкальной школы, которой было суждено круто изменить судьбу мальчика. Валерий сам подошел к ней и попросил разрешения заниматься у нее на фортепиано. Так начался его путь профессионального музыканта.

Мальчик был одарен необыкновенно - все схватывал на лету, что сочеталось в нем с необычайным же трудолюбием. Неудивительно, что за два года он настолько успешно продвинулся, что доцент Ленинградской консерватории И. М. Белоземцев, которому показали мальчика, заявил, что рекомендует его в школу-десятилетку при консерватории - элитное учебное заведение, куда принимают только особо одаренных детей. Валерий сдал экзамены и был принят сразу в 7-й класс. Этот перелом в судьбе будущего композитора сопровождался драматическими обстоятельствами: для того, чтобы Валерию разрешили поступление в школу-десятилетку (а не в фабрично-заводское училище, куда направляли выпускников детского дома), требовалось согласие сидевшей в тюрьме матери, которого она давать не хотела, поскольку не мыслила будущее Валерия как музыканта. Потребовались настойчивость и упорство Т. Д. Томашевской, чтобы преодолеть это сопротивление и получить необходимое разрешение.

Его успехи в школе были впечатляющими. Ведь он пришел в старший класс, не имея той подготовки, которую успели получить ничуть не менее способные его одноклассники. Ему пришлось их догонять, что было совсем не просто. Но, как об этом вспоминает М. В. Шапиро, его учительница по теории музыки и сольфеджио, «ему нужно было постепенно, но много дать, а он умел взять. Все сразу». И постепенно он не только догнал, но и во многих отношениях опередил своих сверстников, выполняя необходимые задания быстрее и лучше. Поэтому нет ничего удивительного, что сразу же по окончании школы он поступил в Ленинградскую консерваторию на композиторский факультет.

Но и консерваторский путь студента-композитора Валерия Гаврилина оказался также достаточно тернистым. Тому были определенные причины.

Находясь в школе-десятилетке, Гаврилин жил в интернате среди таких же, как он, ребят, оторванных от семьи, связанных общими интересами, общим делом в единое братское содружество, и в этом смысле был не одинок. В консерватории же студенты - композиторы и исполнители - гораздо более разобщены в силу индивидуального характера творческого труда, все они обрастают сугубо личными связями и отношениями. Валерий, войдя во взрослую жизнь, оказался во многом лишенным того окружения, к которому он уже привык и потерю которого тяжело переживал. «Мне так ... плохо в последнее время, - писал композитор в эти годы. - Люди, которые кажутся мне симпатичными и близкими - по своему духу, таланту, наконец, по внешнему виду, по манере поведения, - не замечают меня вовсе. ... За всю мою предыгдущую жизнь не было случая, чтобы человек, к которому я тянулся, не тянулся бы ко мне». А далее он делает знаменательное признание: «Самое-самое близкое, тесное, в доску свое товарищество необходимо мне всегда, каждую минуту. Мне всегда нужна атмосфера из обоюдной влюбленности. Вне ее я не вижу ни смысла своей работы, ни цели моей жизни - рассказывать в музыке о самых нежных человеческих чувствах. Какая нелепость - писать о прекрасном, чистом, дорогом, необходимом и быть лишенным всего этого». Консерватория, таким образом, стала для него нелегким психологическим испытанием.

На следующий же год после поступления в консерваторию В. Гаврилин женился, обрел семью, обрел близкий круг людей. Еще через год родился сын. Будучи очень ответственным человеком, Гаврилин чувствовал себя обязанным содержать семью, нужно было, оставаясь студентом, зарабатывать. Брался за любую работу: одно время даже был тапером в хореографическом кружке Василеостровского дома пионеров. Работа и учеба совмещались плохо. Заведующий кафедрой композиции профессор О. А. Евлахов, в классе которого учился Валерий, был им недоволен, хотел его «порешить» уже после написания «Первой немецкой тетради», которая ему явно не понравилась, но, как вспоминает петербургский композитор Г. Белов, зимний зачет все же состоялся. После окончания III курса Гаврилин перешел на музыковедческий факультет в класс профессора-фольклориста Ф. А Рубцова, у которого и закончил консерваторию. Та же «Немецкая тетрадь» фигурировала и на вступительном экзамене в композиторскую аспирантуру, однако на сей раз была должным образом оценена, и в аспирантуру Гаврилин поступил. Поступил, но не закончил. Здесь уже сыграла роль, вероятно, рано сформировавшаяся индивидуальность композитора, его нежелание вписываться в существовавшие тогда нормы и установки композиторского ремесла (в официальных документах значится, что аспирантура была не завершена по состоянию здоровья).

Год спустя после окончания консерватории, в 1965-м, была написана «Русская тетрадь»; Гаврилин стал членом Союза композиторов. По сути, не было постепенного формирования стиля, не было набирания сил - в декабре этого же года цикл триумфально прозвучал на Декаде ленинградской музыки в Москве. Через два года за «Русскую тетрадь» была присуждена Государственная премия РСФСР им. Глинки. Гаврилин сразу занял свое, принадлежащее только ему место.

И все же судьба этого вокального цикла не была лишена драматизма. По рассказам самого композитора, ему стоило немалых трудов и напряжения уговорить первый исполнителей - певицу Надежду Юреневу и ее концертмейстера - довести работу до конца: им не нравилась сюжетная канва, а вокальная партия казалась неисполнимой. Но после московского триумфа «Русскую тетрадь» стали исполнять многие, и среди них выдающаяся камерная певица современности Зара Долуханова. «Меня удивило и затем долго удивляло: как удалось молодому человеку, начинающему композитору так глубоко проникнуть в душу женщины, понять каждый ее изгиб, каждое движение? Лишь потом я узнала историю Валерия Александровича - о Воздвиженье под Вологдой, «женском селе», откуда все мужчины ушли на фронт, о его военном детстве...», - вспоминала впоследствии певица. Гаврилин же писал по этому поводу следующее: «Отсюда, из Вологды, вынес я главную тему своего творчества. Я думаю - это тема женской судьбы, женского характера, потому что все эти годы главные люди, которые меня окружали, были женщины: моя мать, моя нянюшка-сказочница, мои воспитатели в детском доме». А на непростую дорогу, которую прошел цикл на пути к публике, он реагировал так: «Самое прекрасное, но непривычное встречает отрицательный прием. Не знаю, много ли людей выдержат и поймут крестьянскую музыку в тех формах, в каких она была открыта за последнее десятилетие».

Следующее за «Русской тетрадью» десятилетие - напряженная работа в самых различных жанрах: песни, музыка к кинофильмам, театральным постановкам, оратория-действо «Скоморохи», вокальные циклы. Широкую известность приобрел один из них - «Вечерок», также блистательно исполненный Зарой Долухановой. Как вспоминает один из близких друзей композитора, его вначале смутила «разноголосица» великолепного - в золоте и бархате - Большого зала филармонии и «провинциального» характера сюжета и музыки гаврилинского цикла. «Но едва прозвучали первые слова «Вечер, вечер, вечерок...», исчезло куда-то все великолепие, осталась тоскующая зимним вечером женщина, при свече перечитывающая свой альбом в домике провинциального города. ... После трагического романса «До свидания» отзвучала в светлой тоске заключительная песенка... Долгая тишина... - никто не решался первым захлопать... Потом шквал аплодисментов...».

Следующий период отмечен присуждением звания «Заслуженный деятель искусств РСФСР» (1979) и сочинением симфонии-действа «Перезвоны (по прочтении Шукшина)» и балета «Анюта» (1982). Оба эти сочинения также вошли в число наиболее любимых публикой и упрочивших славу композитора.

Но и у этих сочинений судьба была достаточно сложной. Как вспоминает первый исполнитель «Перезвонов», выдающийся хоровой дирижер В. Н. Минин, заказал он Гаврилину сочинение для хора еще в 1966 г., сразу после знакомства с «Русской» и «Немецкой» тетрадями. Минину пришлось ждать 15 лет, пока композитор привез ему «Перезвоны». А далее он пишет: «Работа над сочинением, с моей стороны, шла очень трудно. ... Были письма, телефонные переговоры, споры и полуторагодовалая репетиционная работа. Но, слава Богу, премьера, которая состоялась в Питере, прошла на редкость успешно. Публикой сочинение было принято взахлеб».

Известность этой хоровой симфонии значительно возросла за годы, прошедшие с момента ее написания. Она включается в репертуар все большего числа хоровых коллективов. Знаменательным событием стало исполнение «Перезвонов» в рамках Международного Гаврилинского фестиваля в Вологде хором «Воскресение» г. Череповца - исполнение, вполне достойное замечательной музыки.

История с балетом «Анюта» также непроста. Автором идеи этого телебалета (такова была первоначальная версия) был Александр Аркадьевич Белинский - народный артист России, крупный театральный и телережиссер. Вместе со знаменитым балетмейстером Владимиром Васильевым он подобрал из музыки Гаврилина целый ряд произведений, которые оказались удивительно созвучными образам чеховского рассказа «Анна на шее». Композитору, по словам В. Васильева, необходимо было «все просмотреть, все прослушать, собрать все вместе и выстроить в единое целое». И, естественно, написать партитуру. Успех балета превзошел все ожидания. Телевизионная версия появилась в 1982 г., в 1986-м балет был поставлен в Неаполе на сцене знаменитого театра Сан-Карло, где получил первую премию за лучший спектакль года в Италии. А позднее балет был поставлен в Москве в Большом театре, в Челябинске, Перми, Вильнюсе, Риге, Казани.

Спустя три года после премьер «Перезвонов» и «Анюты», в 1985 г., Гаврилин удостоен звания «Народный артист РСФСР» и награжден Государственной премией СССР.

Однако, несмотря на бесспорный успех у слушателей, несмотря на высокие звания и награды, несмотря на признание его творческого дара одним из крупнейших композиторов, его современником Г. В. Свиридовым, Гаврилин оставался как бы вне магистральной линии музыкальной жизни страны. Во многом это было связано с особым характером его музыки, которая по сугубо традиционным средствам музыкальной выразительности была обращена вспять и воспринималась многими его коллегами как давно устаревшая. Гаврилин решительно отказывается от стремления «идти в ногу с веком» и выдерживает свою, только ему присущую манеру высказывания, опирающуюся на особый тип фольклора - полудеревенскую, полугородскую, песенно-романсную стихию. Публике это очень нравилось, и она сразу же оценила совершенно незаурядный мелодический дар композитора, его непосредственность, общительность, обращенность к самым широким слоям слушателей. Но для музыкантов-профессионалов Гаврилин долго оставался (а в какой-то мере остается и сейчас) композитором-архаистом, обращенным к музыкальным идеям и звучаниям, отошедшим в прошлое. Видимо, нужна определенная временная дистанция, позволяющая усмотреть ту специфическую новизну его музыки, которая великолепно уживается с архаикой, благодаря чему и создаются уникальные по своей глубине и пронзительности художественные образы.

В какой-то мере на творческой судьбе композитора сказалось и его особое мироощущение человека исключительно искреннего и чистого, который именно вследствие этих качеств с громадным трудом вписывается в окружающее его профессиональное сообщество. Народная артистка России, актриса БДТ Л. Малеванная, которая общалась с композитором, вспоминает о том, как он пытался объяснить ей причину часто охватывающей его тоски: «...ощущение оторванности от корней, от истоков, от родного дома. В Ленинграде он чувствует себя чужим, неотесанным провинциалом. А когда приезжает на родину, по которой столь сильна тоска, - не находит и там своего места, оно давно уже заросло, хотя ему там по-прежнему рады». Сам В. А. Гаврилин писал об этом в своих записках так:

«В костюме, галстуке и очках - я просвещенный, европейски образованный музыкант.

А как остаюсь в чем мать родила, да сижу дома, да брожу невесть где - так мужик мужиком, из вологодских. И нет тогда счастливее меня никого в целом свете».

Показательна и самооценка композитора, его собственный взгляд на значимость собственного творчества:

«Я не море, в которое впадают реки с громкими именами. Я маленький ручей, питаемый безвестными подземными ключами. И я буду счастлив, если какой-нибудь случайный путник набредет на меня, и я доставлю ему нечаянную радость и напою его влагой, какую он не будет пить ни в каком другом месте...».

Думается, что историческое время - судья строгий и неподкупный – все расставит по своим местам, и лучшие творения Гаврилина займут свое почетное место в ряду нетленных памятников отечественной культуры XX века.

Основные сочинения (помимо упомянутых)

Балеты: «Дом у дороги» (по А. Твардовскому); «Подпоручик Ромашов» (по А. Куприну); «Женитьба Бальзаминова» (по А. Островскому).

Литература

Гаврилин В. О музыке и не только...: Записи разных лет / Составители Н. Е. Гаврилина и В. Г. Максимов. - СПб., 2001.

«Этот удивительный Гаврилин...»: Сб. статей и воспоминаний / Составлен Н. Е. Гаврилиной. - СПб., 2002.

М. Ш. Бонфельд

КОЧНЕВ

Юрий Леонидович

(26.02.1942, г. Симферополь; с 1949 г. семья жила в г. Вологде)

Народный артист России (1990), лауреат Государственной премии РФ (1995), профессор, входит в плеяду выдающихся дирижеров России, почетный гражданин г. Саратова.

Выдающийся оперно-симфонический дирижер Ю. Л. Кочнев родился в семье потомственных врачей в г. Симферополе. В роду Кочневых есть художники, режиссеры, музыканты, поэты и, конечно, врачи. Мать (урожденная Бенклиева) была дочерью армянского князя, который состоял в родстве с художником Айвазовским.

Музыкальные наклонности будущего режиссера проявились еще в дошкольном возрасте, способствовали их формированию мать, обладавшая феноменальной музыкальной памятью, и бабушка, которая пела сама и великолепно знала весь оперно-вокальный репертуар. С 9 лет мальчик стал заниматься музыкой у И. Г. Гинецинского - музыкальной легенды вологодской культуры. Скоро стало понятно, что ребенку требуются систематические занятия в специальной школе.

В 15 лет Юрий стал учеником прославленной школы-десятилетки при Ленинградской консерватории. Он учился одновременно с будущими знаменитостями: композитором Валерием Гаврилиным, дирижером Юрием Темиркановым, скрипачом Владимиром Спиваковым. Вначале Юрий учился по специальности (скрипка) у И. Этигон, именно она и приняла решение перевести юношу в класс профессора Гинзбурга (альт). Правда, учитель ушел из жизни, когда Ю. Кочнев учился на втором курсе консерватории, но в судьбе музыканта он сыграл важную роль. Кроме занятий музыкой, студент интересовался поэзией и изобразительным искусством.

В 1968 г., за два года до окончания консерватории, Юрий вместе со своим другом С. Волковым под эгидой Союза композиторов Ленинграда создает театр камерной оперы. В это же время при поддержке Евгения Светланова он добивается приема на дирижерско-хоровой факультет консерватории.

Ю. Кочнев окончил Ленинградскую консерваторию по трем специальностям: альт (1968), аспирантуру кафедры истории и теории музыки (1970), симфоническое дирижирование (1971), является кандидатом искусствоведения (диссертация «Об интерпретации музыки», 1971).

После окончания консерватории он поработал шесть месяцев во Владивостоке преподавателем эстетики (такова была воля консерваторского начальства), а затем один из четырнадцати участников прошел по конкурсу в стажеры Большого театра. После этого работал главным дирижером Татарского театра оперы и балета в Казани (1972-1975), а теперь трудится в Саратовском академическом театре оперы и балета (1975 - главный дирижер, 1991 - художественный руководитель), где осуществил более 40 постановок, в том числе «Борис Годунов» и «Хованщина» М. Мусоргского; «Иван Сусанин» М. Глинки; «Дон Жуан» В. Моцарта; «Лоэнгрин» и «Тангейзер» Р. Вагнера; «Вильгельм Телль» Д. Россини; «Крутнява» Э. Сухоня; «Аида», «Травиата» и «Риголетто» Дж. Верди, «Волшебный стрелок» К. Вебера, «Возвышение и падение города Махагони» К. Вайля (впервые в России) и др. В 1977 г. после московских гастролей, где Кочнев дирижировал четырьмя операми, театру было присвоено звание «академический».

За мастерскую и вдохновенную интерпретацию оперы «Леди Макбет Мценского уезда» Д. Шостаковича в 1998 г. награжден специальным призом «Золотая маска» национального театрального фестиваля, дипломами фестиваля за спектакли «Евгений Онегин» П. Чайковского (2000) и «Риголетто» Дж. Верди (2001), а в 1999 и 2000 гг. сам был председателем жюри этого фестиваля в номинации «музыкальный театр».

С 1986 г. Юрий Леонидович - организатор ежегодного Собиновского музыкального фестиваля, в рамках этого фестиваля проводится также Конкурс конкурсов, жюри которого с 1990 г. возглавляет неутомимый маэстро. Закономерно, что Ю. Л. Кочнев с 1990 г. был председателем правления Саратовской организации Союза театральных деятелей. Российская академия искусств избрала его своим членом (1996).

Как оперный дирижер наш земляк выступал в Большом, Мариинском и других театрах страны. Он ставил оперу «Тоска» в Большом театре Белоруссии (1991), оперу «Фауст» - в Большом театре России (1992).

Ю. Л. Кочнев ведет активную концертную деятельность. Он дирижировал концертными программами ведущих симфонических оркестров Москвы, Санкт-Петербурга, оркестрами Софийской (Болгария) и Моравской (Чехия) филармоний. Дирижировал спектаклем в г. Скопле (Македония).

Провел гастроли Саратовского театра в Южной Корее (1994), его театр участвовал в фестивале «Русские сезоны» в Мюнхене (1996).

Известные солисты И. Архипова, Е. Нестеренко, Е. Образцова, Гутман, Э. Вирсаладзе, М. Плетнев и др. с удовольствием выступают с дирижером Кочневым.

Работу в театре музыковед Кочнев совмещает с преподаванием в Саратовской консерватории (с 1985 - заведующий кафедрой оперной подготовки).

В последние годы Ю. Л. Кочнев принял еще одну тяжелую, но приятную ношу - руководство симфоническим оркестром «Русская филармония» (Москва). Маэстро на четверть обновил состав оркестра и предложил новую репертуарную политику. «Монографические концерты симфонической музыки», придуманные и осуществляемые им, вызвали восторг у ценителей искусства. Наряду с именами Чайковского, Берлиоза и Листа, его оркестр исполняет Брукнера, Глиэра и Мясковского. «Монографические концерты» - это не просветительский проект, это желание познакомит публику с программными произведениями классиков. Благодаря дирижерской палочке Кочнева «Русская филармония» из второго ряда столичных оркестров перемещается в первый.

А Кочнев - в новом поиске. В сезоны 2003-2004 гг. он руководит симфоническим оркестром Кавказских Минеральных Вод (Кисловодск), и говорят, это не последняя его инициатива... «Надо надеяться на Бога. Но в то же время не забывать и о том, что сам Господь много отпустил на волю человека. И выбор он предоставил человеку самому» - эти слова Юрия Кочнева и будут интерлюдией нашего очерка.

Г. В. Судаков

«Очень многое приятно поражает меня в этом человеке. В первую очередь - это магнетизм его личности. Непрерывный труд подвижника, зачастую превышающий необходимые обязанности. Именно про таких говорят, что они сжигают свечу своей жизни с двух сторон».

Анатолий Селянин, заслуженный деятель искусств России, профессор

Вперед

Назад

К титульной странице