Комедия продолжала жить на сцене, в ней всегда было много кутерьмы, движения, шума, грома, смеха, танцев, фокусов, трюков, переодеваний и др. На сцене устраивали люки — творила, куда проваливались или откуда появлялись действующие лица. В 1787 г. состоялось первое представление в театре Медокса комедии «Фигарова женитьба» .
      Во второй половине XVIII в. наряду с комической оперой получает распространение новый жанр — классическая трагедия. Героями трагедии были цари, князья, знатные вельможи, бояре, военачальники — все они были наделены возвышенными страстями. Трагедия состояла из их монологов и диалогов, они торжественно декламировали роли, любовались красотой своего голоса, пользовались величественными жестами, походке предавали размеренность и благородство. Основным узлом трагедии был конфликт между любовью и долгом. Любовь при этом всегда побеждала, добро торжествовало, а зло было наказано.
      Во второй половине XVIII в. наблюдалось развитие балета. В середине века балеты были аллюзионными (от фр. аллюзия — намек), в которых под видом богинь и богов артисты славили императриц и вельмож. Наиболее известным было «Золотое яблоко и суд Париса». Но все же балет не был равноправным среди других искусств, и его включали в оперные спектакли или давали после оперы. На него оставались немногие зрители, а большая часть шла в карточные и буфет обсуждать только что прослушанную оперу. После открытия в 1756 г. публичного театра в Санкт-Петербурге стали популярны героико-трагедийные балеты — самостоятельное зрелище из нескольких актов. В балете тогда господствовала пантомима, но не танец. Танцовщицы выступали в длинных юбках на каркасах, а танцовщики — в юбках покороче. Туфли на каблуках и парики довершали неудобный для танца костюм. Не случайно танцовщиков называли тогда фигурантами, то есть делающими фигуру. На сцене происходила смена изящных поз и телодвижений, ноги поднимали не выше нескольких вершков от пола. Прыжки исполняли только мужчины-танцовщики. Наиболее известные героико-трагедийные балеты — «Армида и Ринальдо» и «Семира». В конце XVIII в. получили распространение анакреонтические балеты, в которых в духе греческого поэта Анакреонта воспевались приключения мифологических богов, олицетворявших силы природы. Действующими лицами этих балетов были водяные и лесные божества, а декорациями — пастораль. Комические балеты и дивертисменты включали веселые трюки, переодевания и русские пляски. Русские танцовщики учились у итальянских и французских мастеров, которые признавали пластическую пантомиму, но итальянцы были более виртуозны и акробатичны, а французы плавны и жеманны.

Строкой источника

Санквирико. Эскиз декорации «Римская равнина» к балету XVIII в.

      Балеты происходили на фоне помпезных зрелищных декораций: фасады и залы дворцов, парки, статуи, фонтаны, гавани с кораблями. Как в балетах, так и в операх практиковали частые мгновенные перемены декораций при неопущенном занавесе. В балетах употребляли театральные механизмы: опускание актера в люк и подъем его вверх. Сцену освещали специальными плошками — стаканами с налитым чистым воском, дававшим более яркий свет, нежели свечи. В представлениях участвовало от 10 до 15 артистов и 8—10 музыкантов.
      Сложные костюмы на исторические темы актеры получали от дирекции. Также им выдавали форменную одежду и костюмы простолюдинов. Остальные костюмы они приобретали сами. В распределении ролей они полностью подчинялись начальству. Актеры в труппе имели следующие амплуа: первый трагический и комический любовник; второй трагический и комический любовник; третий трагический и комический любовник; пер-нобль (знатный); пер-комик; первый слуга; второй слуга; резонер; подьячий; конфиданты. Актрисы делились на амплуа: первая трагическая и комическая любовница; вторая трагическая и комическая любовница; первая служанка; вторая служанка; старуха; конфидантки.
      Актеры должны были уметь совмещать пение, декламирование роли и исполнение музыки. Занятия пением развивали голосовые данные актера и придавали необходимую силу декламации. Она носила певучий и музыкальный характер. Участие в драме приучало актера к четкости речи, что отражалось и на его пении.
      Постепенно театр отошел от двора и стал мощным средством просвещения. Этому способствовало существование разных типов театров в России. Наряду с Петербургским придворным театром, в котором выступали итальянские, французские, немецкие и русские актеры, действовали публичные театры Медокса в Москве и Книппера в Петербурге. При учебных заведениях — Московском университете, Воспитательном доме, Смольном институте и Шляхетском корпусе — действовали труппы актеров-любителей. Домашние театры в дворянских домах возникали как грибы после дождя.

Строкой источника