Мариинский театр - один из старейших и крупнейших музыкальных театров России. Его называли первоначально Петербургским Большим, или Каменным, театром - именно здесь давались с 1783 года первые оперные и балетные спектакли петербургской труппы (архитекторы Тишбейн, Деденев). До этого времени на месте те-атра находилась коломенская карусель. Каменный театр вмещал около 2000 зрителей, имел три яруса. В 1802-1804 годы здание театра перестраивается под руководством архитектора Тома де Томона. А в 1836 году он вновь был перестроен архитектором А. Кавосом и имел уже пять ярусов. Он простоял на своем месте более ста лет, хотя и восстанавливался после пожара в 1811 году. Это был грандиозный, монументальный театр в стиле ампир. В нем соединялись черты античного храма, замка и дворца. Здание первоначально совершенно очевидно было ориентировано на римские образцы - над входом в театр была помещена высеченная из мрамора статуя сидящей Минервы. Эта богиня мудрости, покровительница искусств и ремесел в руках держала щит с латинскими письменами на нем и копье (которое еще имело и практическое значение - служило громоотводом). Однако оно не помогло ив 1811 году при пожаре погибли и Минерва, и копье. Вообще театр был отлично спроектирован. Он отличался образцовой акустикой, секретами которой владели старые мастера, у него была необычайно глубокая сцена. Именно на такой сцене и стали возможны всяческие фантастические полеты, которые демонстрировал в своих спектаклях Дидло - балетмейстер, прибывший в Россию и обретший в ней свою вторую родину. Именно полеты в спектаклях Дидло впервые внесли в балет идею высоты, а роскошные задники Гонзаги - представление о бесконечном пространстве. В дальнейшем прославленный Петипа использовал глубину сцены иначе - для хореографических эффектов и потрясающих воображение зрителей движений кордебалета. Так, в балете "Баядерка" (1877) принимало участие шестьдесят четыре танцовщицы, а не тридцать, как это было впоследствии. Это были роскошные праздничные постановки, где царила стихия веселья. В 1881 году, возобновляя старый балет - испанскую "Пахиту", Петипа сочинил к нему знаменитое "большое классическое па" для солистов, корифеек и кордебалета. Это блистательное "гранд па" сохранялось в театре много десятилетий. Богиня мудрости не зря охраняла вход в петербургский театр. Именно петербургский балет отличался, например, от московского, тем, что "положил разум в основание красоты, в основание искусства". Это была особенность его традиции, черта его школы.
Но все же не пожары, а время разрушало театр. В сезон 1885/ 86 года инженерная служба настояла на том, чтобы театр был закрыт. Спектакли были перенесены на сцену Мариинского театра. Сцена Мариинки оказалась шире прежней, но зато на целую треть менее глубокой, что, естественно, потребовало от балетов и опер новой пространственной композиции. Начался путь к художественной новизне и освобождение от ампирной архаики. Мариинка была перестроена в 1860 году все тем же архитектором Кавосом из здания бывшего конного цирка, а четверть века спустя театр вновь перестраивается архитектором Шретером. (В 1885 году к основному корпусу театра по проекту архитектора В. Шретера были произведены пристройки. В 1894 году к лицевому фасаду театра пристроен новый корпус. Тогда же деревянные стропила и деревянные конструкции сцены были заменены металлическими.) Мариинский театр после Шретера был уже другим - это был уже не театр-дворец и не театр-замок. Он приобрел не столько парадный, сколько деловой вид, чем вообще отличалось петербургское градостроительство второй половины XIX века. Мариинский обладал многофигурным силуэтом, сохраняя некую архитектурную таинственность наряду с деловитостью. Театр перед взором разворачивался к смотрящему прямыми углами своих многооконных стен. Но фасад его был совсем не императорский - не было фронтона, колоннады дорических столпов. Колоннада "упрятана" в нишу второго этажа. Фронтон выглядел миниатюрным среди флигелей, пристроек и галерей. При входе в театр не было парадного и просторного нижнего фойе, не было и парадной лестницы, ведущей в царскую ложу. Публика чуть ли не прямо с улицы попадала в узкий опоясывающий коридор и поднималась по узким лесенкам, чтобы попасть в зрительный зал. Зал был великолепен, а театр называли дивным. В нем все было подчинено не парадным гуляньям публики во время антракта, но артисту балета и оперы. В его архитектуре все главное отдано залу. Сам зал был типичным - многоярусным. Но его особенностью была и необычная цветовая гамма. Зал имел голубую окраску, тогда как традиционные цвета императорского театра - красный и золотой. Это была вековая традиция - красный бархат барьеров и кресел, сусальное золото лож и ярусов. Это была традиция нарядности. При свете канделябров и свечей такой зал веселил душу, слепил глаза своей красотой. А тут голубой цвет - цвет неба, цвет радостной мечты и томной меланхолии?! Мариинка после Шретера приобрела интимность и лиризм.
Мариинский театр был императорским. Императорским по своей идеологии, психологии и всему своему укладу. Это был привилегированный роскошный театр. Это был спокойный и праздничный театр - его искусство всегда было отгорожено от жизни, ее тревог и напастей. Но это был и чудесный храм искусства, куда тянулись еще с пушкинских времен лучшие художники танца, лучшие певцы оперы. Знаменитые Петипа и Фокин создали здесь свои балеты, которые живут и до сих пор. Императорская сцена требовала огромного таланта, осмысленного труда и упорства, которое талантливый Балан-чин называл "крестьянским". Императорский Мариинский театр -это дом Чайковского и Шопена.
На сцене этого театра в конце XVIII - начале XIX века выступали талантливые русские артисты - Е. Сандунова, Я. Воробьев, П. Злов, А. Крутицкий, В. Самойлов, П. Булахов, Г. Климовский, а также артисты балета - И. Вальберх, А. Глушковский, А. Истомина, Е. Колосова, А. Новицкий. В 1803 году произошло отделение оперной и балетной труппы от драматической. В 1832 году драматическая труппа переходит в Александрийский театр. В эти годы во главе русской и итальянской оперы в Петербурге стоял дирижер К.А. Кавос, с некоторыми перерывами балетмейстером был Ш. Дидло.
Новый период в деятельности театра связан с постановкой оперы "Иван Сусанин" Глинки в 1836 году. Новый тип оперы требовал от исполнителей поиска адекватного сценического решения. В 1842 году состоялась премьера второй оперы Глинки "Руслан и Людмила". В этих операх раскрылось дарование выдающихся артистов - О. Петрова и А. Петровой-Воробьевой. Талантливые актеры могли воздействовать и на репертуар театра, выбирая в свои бенефисы интересующие их произведения. По настоянию О. Петрова в его бенефис была поставлена опера Даргомыжского "Эсмеральда".
Стало невозможно обойти вниманием те оперы, которые сделали в русском искусстве великую реформу. Глинка, Бородин, Даргомыжский, Мусоргский, Чайковский серьезно изменили репертуар отечественной сцены. Появились столь же значительные дирижеры - К. Лядов, Э. Направник. Они ориентируются на русский репертуар и ставят все лучшие оперы названных композиторов.
Во второй половине XIX века на сцене Мариинского театра выступают замечательные оперные певцы - Ф. Комиссаржевский, Е. Лавровская, И. Мельников, М. Долина, Ф. Стравинский, М. и Н. Фигнеры и многие другие. Первые опыты оперной режиссуры в театре связаны с именем О. Палечека. В начале XX века ведущее место в труппе заняли Ф. Шаляпин и И. Ершов, в творчестве которых техническое совершенство владения голосом соединялось с искусством драматическим. Актеры не только пели свои партии, но и блистательно играли своих героев, придавая их образам огромную драматическую силу.
В балетных постановках театра уже со второй половины XIX века было заметно стремление к воплощению русских национальных элементов - такими были балеты "Конек-Горбунок" Пуни по Ершову и "Золотая рыбка" по Пушкину. Эти постановки, конечно, были достаточно далеки от литературных источников, что связано и со спецификой балетного спектакля, и с традицией ставить балеты как пышные, феерические зрелища. Блистательные достижения балетной сцены Мариинского театра связаны в конце XIX - начале XX века с постановкой балетов Чайковского и Глазунова. Это были "Спящая красавица" и "Раймонда" в постановке М. Петипа, "Лебединое озеро" в постановке Л. Иванова и М. Петипа. Усложнение танца, углубленная трактовка образа, заданная композиторами, требовали и от исполнителей новых выразительных средств. Творчество легендарной А. Павловой и блистательной М. Кшесинской, О. Преображенской, О. Спесивцевой, В. Нижинского прославило театр и возвело его на Олимп отечественного искусства. В спектаклях балетной труппы вполне сложился стиль, который во всем мире называется "русской школой". Однако всякая традиция требует одновременного и сохранения, и обновления. На Мариинской сцене новаторские принципы в балете начала XX века связаны с именем балетмейстера М. Фокина ("Павильон Армиды", "Шопениана").
Театр оставался придворным, что, с одной стороны, обеспечивало достаточную стабильность его существования, но с другой - требовало некоторых усилий для постановки на его сцене лучших отечественных опер. По инициативе Ф. Шаляпина были возобновлены "Борис Годунов" и "Хованщина". На Шаляпине держался основной массив русской оперы в Мариинском театре.
Кто же посещал придворный оперный театр? Прежде всего - "абонементная публика", то есть та часть общества, что могла позволить себе приобретение абонемента в ложу на весь театральный сезон. Это были двор и гвардия, дворянская и финансовая аристократия, высшие чиновничьи слои. Опера и балет входили в быт светской публики. "Ездить в оперу", "иметь ложу в балете" были не только признаком светского развлечения, но и обязательной составной частью культуры. Балетные спектакли давались в Мариинском театре по средам и пятницам, и завсегдатаи спешили в театр. Публика хорошо знала об особых талантах своих любимых артистов - ценила и верхнее "до" модного тенора, и колоратурные трели знаменитой певицы, и головокружительные фуэте балерины. И хотя оперные спектакли часто критиковали за крикливую роскошь, за "оперную пышность", "оперные страсти" как символ "картонных", поддельных страстей, тем не менее оперные штампы всегда преодолевались в игре и пении выдающихся актеров. Оперный театр, как и балет, также знал развитие и разные эстетические стили.
В начале XX века Мариинский театр располагал огромными дотациями министерства двора, имел большую, с знаменитыми именами, оперную труппу, первую в мире балетную труппу и превосходный оркестровый коллектив, отшлифованный долголетними трудами и педантичной волей Э. Направника. В сезон 1916/17 года оперный репертуар состоял из 25 опер. Из них 14 русских и 11 иностранных. В Мариинском театре (до начала Первой мировой войны 1914 года) были мощно представлены оперы и музыкальные драмы Вагнера: "Валькирия", "Золото Рейна", "Зигфрид", "Гибель богов", "Тристан и Изольда", "Мейстерзингеры". С началам войны по соображениям патриотического характера вагнеровские оперы были исключены из репертуара. На И. Ершове держался весь вагнеровский репертуар. Его называли великим интерпретатором Вагнера - бессменным исполнителем Зигмунда, Зигфрида, Тристана. Ершов и Шаляпин - два крупнейших актера оперной сцены, творческий дух которых и интуиция позволили им найти выход из оперной рутины к большому трагическому искусству. Но Ершов пел и русские партии, например, Гришку Кутерьму в "Сказании о граде Китеже" Римско-го-Корсакова. С одной стороны - Зигфрид, с другой - Гришка. "Брызжущий стихийной жизнерадостностью юный сверхчеловек, сын лесов в звериной шкуре, владеющий тайной понимать и шелест листьев и щебетанье птиц, держащий в своих руках судьбы Валга-лы, - и взлохмаченный жалкий пьяница в отребьях, со смертельным отчаянием в интонациях надтреснутого испитого голоса" - таковы два полюса в творчестве Ершова.
На сцене Мариинского театра были поставлены четыре оперы режиссером-новатором В. Мейерхольдом: "Тристан и Изольда" Вагнера (1909), "Орфей и Эвредика" Глюка (1911), "Электра" Рихарда Штрауса (1913), "Каменный гость" Даргомыжского (1917). Основной предпосылкой оперной теории и практической реформы для В. Мейерхольда являлось положение, согласно которому режиссер и актер оперного театра должны исходить не из либретто, не из литературного сюжета, но из партитуры. Только музыка, считал Мейерхольд, способна вполне выявить мир души и чувств. По мнению Мейерхольда, игра оперного актера должна строиться не на натуралистическом, но на условном, пластическом и ритмическом жесте. Постановка "Орфея" имела из всех работ Мейерхольда наибольший успех и считалась показательной для оперного импрессионизма. Античность здесь господствовала в идеализированном мифологическом виде.
В начале XX века балетный репертуар Мариинского театра состоял из двух групп спектаклей: это были классические балеты, продолжающие традицию XIX века, и новые, созданные Мариусом Петипа. Балет классический был изыскан, орнаментален, изощренен и великолепен в танце. Петипа балет "украшает" вставными номерами, кордебалетными вальсами, усложняет техническую структура па. Само балетное действие - минимально. Обычно это сказка или историческая легенда. Действующие лица - влюбленные принцы, томные царевны, благодетельные феи, великодушные короли, злые волшебники, зачарованные лебеди. В балетах порхали воздушные сильфиды, лесные нимфы, резвились изящные пейзане. В балете торжествовал романтический миф о любви. Язык классического балета сочетался в спектаклях с "Характерными" танцами - стилизацией этнографических танцев. Их основу составляли польская мазурка, венгерский чардаш, неаполитанская тарантелла, испанские "качуча", болеро, фанданго. И русские танцы вводит М. Петипа. Классический танец в созданиях Петипа был великолепен: он обогащает классическую школу технической виртуозностью, в адажио, коде, вариациях он изобретателен и неутомим.
После революции 1917 года Мариинский театр был передан в ведение Народного комиссариата по просвещению, а летом 1920 года вошел в систему академических театров Петрограда и Москвы, получив наименование Государственный академический театр оперы и балета. Революция изменила жизнь театра - вместо публики "Первого абонемента" его стали посещать "революционные массы", а перед театром была поставлена задача "освоения пролетариатом опер-но-балетного наследия". От театра требовали новой концепции - советской оперы. Но пока ее не было ставили классику и даже старались в "Золотом петушке" увидеть осмеянное самодержавие.
В течение 20-х - начале 30-х годов театр переживал тяжелый период внутренней перестройки всей жизни. Он, как и другие театры-академики, театры "старого наследия", подвергался революционным наскоком со стороны "нового искусства". Перед ним, как и перед другими, стояла задача создания спектаклей "на революционную тему". Под видом "величия мироздания" появился балет на музыку 4-й симфонии Бетховена, "Красный вихрь" Дешевова. Но и тут было усмотрено "декаденство". Репертуар должен был меняться в сторону "героического". Вновь был поставлен "Борис Годунов" в 1928 году, открыто современное звучание "Вильгельма Телля" Россини, ставятся вновь написанные оперы "Орлиный бунт", "Черный яр", "Лед и сталь". Постановление ЦК ВКП(б) от 1932 года "О перестройке литературно-художественных организаций" окончательно изгнало со сцены всякую стилизацию, "буржуазность" и экспериментирование. Появляются такие спектакли, как "героические балеты" "Пламя Парижа", "Утраченные иллюзии", "Партизанские дни" Асафьева. Возобновляется классический балет ("Лебединое озеро" и "Щелкунчик" Чайковского). Опера становится идейно-монументальной - идут "Броненосец Потемкин" Чишко (1937), "Щорс" Фадди (1938), "В бурю" Хренникова (1939). В это время главный дирижер театра А. Пазовский, главный режиссер - Л. Баратов. В 1935 году театру присвоено имя С.М. Кирова.
В начале Великой Отечественной войны театр был эвакуирован в Пермь, где подготовил новые спектакли: "Емельян Пугачев" Коваля, "Ночь перед Рождеством" и др. Артисты театра выступали в госпиталях, выезжали в составе бригад на фронт. В Ленинград театр возвратился в 1944 году. С 50-х годов в театр возвращается оперная и балетная классика. Но пишутся и новые произведения - в 1956 году был поставлен знаменитый балет Хачатуряна "Спартак", в 1957 году - "Каменный цветок" Прокофьева, "Легенда о любви" Меликова (в обоих - балетмейстер Ю. Григорович). Оперные спектакли 50-60-х годов посвящены событиям Отечественной войны и "революционной тематике": "Семья Тараса" Кабалевского, "Судьба человека" Дзержинского, "Декабристы" Шапорина, "Мать" Хренникова. Из русской классики поставлены "Мазепа", "Псковитянка", "Садко".
В труппе театра всегда было много всемирно знаменитых исполнителей и артистов балета: К. Лаптев, И. Бугаев, В. Максимова, Б. Штоколов, Р. Баринова, М. Заика, В. Соловьев, В. Кравцов, Б. Брегвадзе, А. Сапогов, В. Семенов, К. Федичева, Ю. Марусин, С. Лейферкус, Г. Мезенцева, О. Ченчикова и многие, многие другие.
Во время Великой Отечественной войны здание пострадало от сильных обстрелов, но в 1944 году было полностью восстановлено. Глубина сцены театра - 22 метра, ширина - 18 метров, высота - 25 метров. Зрительный зал театра имеет 1625 мест. В настоящее время театру возвращено его историческое имя - он вновь Мариинский театр.